Kunstnerprofiler

The Not-So-Still Lifes of Watercolorist Dawn Clements

The Not-So-Still Lifes of Watercolorist Dawn Clements

Vi var bedrøvede over at høre, at kunstneren Dawn Clements, hvis store, kumulative stilleben værker fangede glæden ved hverdagen, døde for nylig i en alder af 60. I følge nekrologen fra Neil Genzlinger forThe New York Times: “Dawn Clements, hvis indviklede tegninger og akvareller fanges detaljerede scener fra hendes eget liv og fra filmmelodramas, ofte i panoramisk skala, døde den 4. december på en hospice i Bronx… Ms Clements tegninger - generelt i sumi-blæk eller kuglepen - og hendes malerier brugte ofte flere ark sammen med krøllet papir, syet sammen til store, uregelmæssige former, der kontrasterede med hendes hånds tekniske præcision. ”

Clements blev vist i en artikel af John A. Parks i april 2018-udgaven afAkvarelkunstner. I kampen mod kræft på tidspunktet for interviewet behandlede Clements hendes sygdom, og hvordan det havde påvirket hendes arbejde. Vi dedikerer artiklen, der er genudgivet her, til Dawns hukommelse.

***

Hvis du elsker udseendet og følelsen af ​​akvarelmalning, Akvarelkunstner er det magasin, du skal abonnere på. Med sine funktioner på moderne kunstnere og sider med smuk kunst og tekniske forklaringer er alt omkring akvarel her, dækning til dækning. Tilmeld nu!

***

En kumulativ effekt

Dawn Clements tegner og maler sine omgivelser, bevæger sig fra det ene synspunkt til det næste med et intenst øje og en sikker hånd over dage og uger. Værkerne bliver kumulative, ikke kun som observationer, men også fysisk, da kunstneren tilføjer ark papir for at indarbejde hvert nyt område af sit emne. Efterhånden vokser de til at blive meget store stykker, nogle mere end 20 meter lange.

Sammenklappet, stresset fra håndtering og ofte langt fra ægte rektangler, vidner Clements 'færdige arbejde om et langt fysisk engagement med verden. Uundgåeligt bliver denne virksomhed selvbiografisk, ikke kun som et vidnesbyrd om at tilbringe tid på et bestemt sted, men også til at registrere de genstande, som kunstneren selv finder i live.

For nylig, overfor alvorlige sundhedsmæssige problemer, har Clements valgt at inkorporere bevis for hendes igangværende behandlinger i form af medicinemballage. Et organ af arbejde, der tager sigte på den skiftende, forbigående karakter af opfattelse er nu udvidet til at blive en meditation om dødelighed.

Langt fra negativt bekræfter den rene vibration og intensitet af værket kunstnerens glæde ved at engagere verden, selv når nogle af emnerne antager en ny gripende karakter.

FRA PAPIRET

Clements begyndte at arbejde på hendes nuværende måde allerede i begyndelsen af ​​90'erne, da hun tegner stilleben og befandt sig på rejse. ”Jeg var på et hotelværelse i Italien og tegnede en telefonledning,” husker hun. ”Jeg havde ikke planlagt tegningen særlig godt, og billedet fandt ikke på papiret. Jeg blev skuffet, indtil jeg indså, at jeg virkelig ikke behøvede at slå mig sammen med papirets rektangel - at jeg kunne tilføje stykker for at udvide billedet.

”Når jeg først gav mig tilladelse til at lime på mere papir, indså jeg, at jeg kunne lave store tegninger fra mindre moduler. Når rammets ramme blev ændret, kunne jeg tænke på at tegne på en mere skulpturel måde, at en tegning ikke behøver at være et 'vindue', men kunne præsentere sig selv som det objekt, det er. '

Clements opdagede yderligere, at hun ikke havde brug for at holde sin voksende tegning flydende; da det blev for længe at klare sig, kunne hun bare folde det, hvilket gjorde det muligt for hende at tegne tegninger i meget større skala.

”Nogle gange bliver mine tegninger revet eller slidt eller urolige, når jeg foldes og limer dem,” siger hun, ”men så lapper jeg og reparerer dem. Alt dette er en del af min proces. ”

EN SHIFTING VIEWPOINT

Clements 'proces resulterer uundgåeligt i billeder, der er noget brudte. De inkorporerer forskellige disjunktioner, da den ene dags arbejde føjes til den næste. På en måde reflekterer værket den måde, hvorpå vi nærmer os en omfattende og kontinuerlig verden fra et lappearbejde med skiftende synspunkter og sensoriske input. Men tegningerne præsenterer også en meget mere detaljeret forståelse af den visuelle rigdom i et miljø, end vi normalt ville overveje.

Clements arbejder tæt på hvert objekt og bruger tid på at observere det intenst inden de går videre til det næste. Hun accepterer, at hendes proces betyder, at hun undgår et komplet, sammenhængende perspektivrum gennem et værk. Mens individuelle objekter eller små grupperinger muligvis har et "rigtigt" perspektiv, kan hele værket indeholde mange forskellige synspunkter, mens man indtager en bestemt fluebet.

”Ikke kun ændrer jeg mit synspunkt,” siger kunstneren, ”men jeg tegner måske på forskellige tidspunkter af dagen. Dette kan resultere i flere skygger eller skygger, der ikke er i overensstemmelse med en enkelt lyskilde. ” Clements 'tidligere arbejde indeholdt en række forskellige medier, men i de senere år er hun begyndt at arbejde meget i akvarel.

”Før 2012 arbejdede jeg primært inden for blæk og gouache,” siger hun, ”nogle gange kuglepen, nogle gange Sumi blæk og børste, nogle gange gouache. Folk beskriver ofte mit arbejde som 'tegning.' Selvom jeg ofte bruger maling, er der noget i min proces, der får folk til at tro, at mit arbejde tegner. Jeg har ikke noget imod, hvad folk kalder det. For mig fungerer det. ”

På et bestemt tidspunkt valgte Clements at bruge akvarel, fordi det fik en indgreb med hendes sans for processen som tegner. ”Når jeg arbejder med blæk, bruger jeg normalt ikke vand eller hvidt,” siger hun. ”Dette gør sletning umulig. Det betyder ikke, at mærker ikke kan ændres. Hvis jeg virkelig ikke kan leve med et mærke, klipper jeg det ud og limer et nyt stykke rent papir. Alligevel prøver jeg det meste af tiden at leve med de såkaldte fejl, jeg laver, og bare bevæge mig fremad, ved at acceptere, at det er en del af oplevelsen af ​​at gøre - og i sidste ende at se - værket.

”Da jeg besluttede at arbejde i gouache,” fortsætter hun, ”var der noget ved at bruge det, der føltes som maleri. Hvad var det? Da det viste sig, var det tilstedeværelsen af ​​farven hvid i paletten. Når hvidt var tilgængeligt, var korrektioner og sletninger mulige. Bygningen af ​​en form havde også større potentiale til at være mere traditionelt malerisk. Normalt fungerer malere fra mørke til lys. Selvom gouache er et vandbaseret medium, har det potentialet til at være uigennemsigtig, så der kan foretages revisioner let. ”

En dag - Clements kan ikke huske hvorfor - hun besluttede at arbejde i akvarel i stedet for gouache, og det føltes meget anderledes. ”Selvom det var maling, føltes det som om jeg tegner igen,” siger hun. ”Jeg indså, at i akvarel brugte jeg ikke uigennemsigtigt hvidt, og at malingen altid var gennemskinnelig. På en eller anden måde kunne jeg aldrig dække mine 'fejl'. Dette føltes som at tegne igen. Seeren havde adgang til min søgning og kamp.

”Jeg elsker, hvordan akvarel kan afsløre en sindeskift eller et skift i position, en retning, der betragtes og omdirigeres.”

STARTER SMÅ

Den måde, hvorpå Clements bygger en tegning ved hjælp af en akkretionsproces, betyder, at papiret ofte gennemgår betydelig håndtering - og at det eventuelle arbejde kan opnå en meget stor skala. Dette er træk, der både bidrager til arbejdets art og magt, men også byder på udfordringer med hensyn til lang levetid.

De færdige værker udstilles ubegrænsede, strækker sig ud over murene i et galleri og udsættes for ulykker. ”Jeg bekymrer mig over levetiden for mit arbejde, men jeg gætter på, at jeg er mere interesseret i selve søgningen,” siger Clements. ”Jeg laver ofte store værker i små rum, for eksempel en stor tegning af mit køkkenbord.”

For at gøre dette kan hun muligvis begynde lille, tilføje papir med lim, når hun skrider frem og derefter folde papiret for at imødekomme hendes rækkevidde. Clements fungerer næsten altid på en flad overflade parallelt med gulvet, såsom et bord, og fungerer næsten aldrig på væggen. ”Dette holder mig tæt på de objekter, jeg tegner, og sætter mig lige der ved køkkenbordet,” siger hun. ”Jeg håber, at selv om værket kan blive meget stort i størrelse, at det aldrig er” monumentalt ”.”

Clements stræber efter at formidle en intimitet i hendes arbejde, selv når det er et stort format. ”Jeg vil have, at arbejdet skal reflektere mit liv og det, jeg ser - både kærligheden og rodet,” siger hun. ”Måske er den nød, der sker med værket, en del af det.”

EN NY BETINGING

Mens Clements 'arbejde altid har været noget selvbiografisk i optagelsen af ​​de rum, hvor hun har boet og arbejdet, har det fået en ny betydning, siden kunstneren har fundet sig selv alvorlige sundhedsmæssige udfordringer.

”I april 2016 fik jeg diagnosen brystkræft i tidligt stadium,” siger Clement. ”Det var ødelæggende, men ud fra det, jeg forstod, kunne kirurgi, kemoterapi og strålebehandling meget vel fjerne kræften fra min krop. Desværre svarede min kræft ikke på behandlingen. I slutningen af ​​oktober 2016 blev det afsløret for mig, at det havde spredt sig til andre dele af min krop, og at jeg havde en meget avanceret fase [fase IV] metastatisk kræft. Der var ingen rolle for operationen, og min prognose var meget alvorlig. Dette kom som et frygteligt chok for mig. ”

Dagen efter at have modtaget denne nyhed rejste Clements til Rom for et planlagt to-måneders ophold på American Academy. ”Forsikrede mig om, at jeg kunne modtage den samme medicinske behandling i Rom, opfordrede min onkolog mig til at gå,” siger kunstneren. ”En onkolog i Rom kommunikerede med minen i New York, så jeg kunne starte en behandling. Det var en ret vanvittig tid, hvor jeg tilpassede mig et nyt sted og et andet sundhedssystem, mens jeg prøvede at vikle min hjerne omkring alvoret i min nye tilstand.

”Som du kan forestille dig, var dette en meget forvirrende tid for mig. Men der var jeg på dette ekstraordinære sted med et strålende studie i et samfund af dygtige og strålende kunstnere og lærde. Det var en meget underlig tid, drømmeagtig på mange måder, ”siger hun.

DAG EFTER DAG

Bemærkelsesværdigt lancerede Clements i en meget stor akvarel. “Til mit Rom-projekt [Tre borde i Rom, nedenfor] Jeg ønskede at eksperimentere med nogle ideer, der har at gøre med, hvorvidt forskellige niveauer af definition eller opløsning kunne eksistere sammen med succes i et enkelt værk, siger hun. ”For at gøre dette skabte jeg nogle regler for mig selv. Jeg besluttede, at jeg ville tegne, hvad jeg observerede på flere bordplader. I stedet for at forblive fikseret i en position, bevægede jeg mig langs kanten af ​​bordet, så jeg altid var tæt på de objekter, jeg observerede, og fortolkede dem meget, som en video eller fi lmkamera langsomt kan rejse og scanne et mellemrum. ”

Clements begyndte hver dag med at skære et stykke papir fra en stor rulle og vælge en størrelse, som hun troede, hun kunne fylde den dag. ”For eksempel planlagde jeg på dag én at male en fyrretræ, så papiret var omtrent på størrelse med fyrretræ, ikke meget større,” siger hun. ”På dag to skar jeg et andet lille stykke papir og fastgjorde det til venstre for den første dags arbejde.” Hun malede derefter en olivengren på den. "Hver efterfølgende dag tilføjede jeg lige nok papir til den dag," siger hun, "og sådan voksede arbejdet [til sidst ved at nå 22 fod i bredden]."

Clements tilføjede en anden regel til hendes proces; hun lovede aldrig at vende tilbage til den foregående dags arbejde. Hun ville kun komme videre. ”Jeg kunne tilføje en hvilken som helst størrelse eller formet papir, som jeg ønskede, og det afsluttede arbejde kunne være en hvilken som helst størrelse eller form jeg ønskede inden for grænserne af de otte uger efter bopælsstedet. Jeg var kun begrænset af tid, ikke størrelse, ”siger hun.

Clements 'selvpålagte regler tillader hende faktisk at forstå, hvordan forskellige opløsningsniveauer kunne fungere inden for et enkelt værk. ”Normalt ville jeg have arbejdet med billedet af et objekt, indtil jeg følte, at det var komplet, ofte med et ret højt defi- nition,” siger hun. ”Nogle gange vil dette tage timer, endog dage. I mine tidligere værker forhindrede visse tidsmæssige og fysiske ændringer mig ofte i at løse et billede på den måde, som jeg havde til hensigt.

”For eksempel vil en blomster visne eller droppe sine kronblade; en hyacint ville blomstre; et stykke frugt vil gradvis forfalne; eller et bopæl ville komme til en ende. Jeg har altid prøvet at reagere på disse ændringer og integrere dem i arbejdet. Virkningen af ​​tidsgang og fysisk forandring påvirkede den måde, jeg komponerede og løste arbejde på. I stedet for at kontrollere mit miljø, prøvede jeg at samarbejde med det.

”Men i Rom skabte jeg endnu strengere parametre for at anerkende naturens rolle i forandring, vækst, forfald og tid,” siger Clements. "Efter min mening gav denne tvungne tidsbegrænsning forskellige beslutningsformål." Sammen med det nødlidende papir og foldene blev opløsningsniveauerne en integreret del af processen.

PERSONLIG EPHEMERA

Mens han fortsætter dette fokuserede og tankevækkende projekt, anerkender kunstneren, at hele virksomheden blev kompliceret af hendes fysiske og følelsesmæssige tilstand, da hun kæmpede med sin medicinske tilstand.

”Mit nye behandlingsregime, at skulle klare det i Italien og prøve at forstå mine følelser omkring udviklingen af ​​min sygdom og dødelighed var ulovlig,” minder hun om. ”Og selve arbejdet var krævende og spændende for mig. Det krævede meget fokus. ”

Da hun bevægede sig hen over og malede bordpladerne, tilføjede Clements genstande som frugt, papirbøger og andre ting, som hun stødte på i sit daglige liv. ”I de sidste uger med at arbejde med dette stykke tog jeg kemoterapipiller og kiggede på kassen og gemte de brugte blisterpakker af de piller, jeg havde spist. Jeg ville medtage dem i arbejdet, men det gjorde jeg ikke straks. ”

Hun spekulerede på, om deres tilstedeværelse ville overvælde værket og skabe en fortælling, der var for stærk og måske endda for sentimental. Men i sidste ende besluttede hun at inkludere den store kasse med medicin (Xeloda) og de tomme blisterpakker.

”På en måde blev det en kalender, en måde at tælle dage på,” siger Clements. ”Og jeg besluttede netop, at det for mig ville være uærligt at ikke medtage disse objekter, der var blevet en så væsentlig del af mit liv. De blev så betydningsfulde og så almindelige som nogen af ​​objekterne på bordet.

”Men selvfølgelig,” fortsætter hun, ”er teksten på pillebokspakken meget læselig, og tekst i et visuelt arbejde kan være et fokusområde. Folk ser det og læser det. Det har et potentiale til at drive og fremhæve en fortælling. ”

Alligevel er den endelige fortælling om Tre borde i Rom viser sig at være meget bredere end historien om en sygdom. Inkluderet i billedet er frugter, blade og en række italienske emballager med farverig, stilfuld type. En lampe og en telefon er forbundet med det slidte trækorn i en bordplade og et glimt af græsplæne og lys i udsigten gennem et vindue.

Livet fortsætter i alle dets aspekter af vækst og forfald. Sofistikerede elektroniske artefakter indtager deres plads sammen med naturlige former; en bestemt smag til glæde og lethed beboer stykket. Hele livets rigdom er her. Hvis nogle af dens aspekter nødvendigvis er mørkere end andre, formår kunstneren at give os et kig på helheden med betydelig fornøjelse og glæde.

En firkantet fod af græsplænen

En af Clements 'mest usædvanlige akvareller -Græs- repræsenterer et lille område med græsplæne set lige ovenfra, hvor hvert græsblad og vilde blomster udforskes med et næsten-obsessivt øje.

”Mange gange beskriver jeg det som en slags klatring,” siger Clements og refererer til at tage en tilstand af intens observation. Hun anerkender den tunge detalje og påpeger, at detaljer med nogle emner bare er uundgåelige.

”Hvis vi tegner et interiør i en udsmykket kirke, kan vi blive betragtet som besat, hvis vi tegner alle detaljerne,” siger hun, ”men virkelig, det er emnet.” Clements siger, at hendes interesse for et minuts tegning af en plæne med græsplæne var påvirket af visse værker fra Fra Angelico (italiensk; 1395-1455), hvor sektioner af græsplæne, tyk med forskellige blomster, vises sammen med figurer.

”Jeg blev ramt af åbenbaringen af, hvor meget europæiske græsplæner der ligner Fra Angelico-græsplænen, og at Fra Angelicos græsplæner muligvis er kommet fra en observeret oplevelse af hans miljø,” siger hun. ”Da Fra Angelicos malerier er så æteriske, har jeg aldrig helt tænkt på dem som af denne verden. For at se denne Fra Angelico græsplæne i livet uden for min studiodør i Umbria slog mig på en kraftfuld måde. Selve processen med at tegne den hver morgen gjorde det til et mere meditativt end obsessivt fokus. ”

For at male græsplænen besluttede Clements, at hun ville tilbringe bare en time hver dag i sit seks ugers bopæl i Umbrien med at male et afsnit på omkring en kvadratfod af græsplænen. Hun gjorde dette over 23 på hinanden følgende dage. ”Det, der interesserede mig, var, at en græsplæne altid vokser,” siger hun. ”Nogle gange, selv i løbet af 24 timer, ville det være vanskeligt at finde min plads igen.

”Jeg er ikke en botaniker, og jeg er en forfærdelig gartner, men det var fascinerende bare at tilbringe den tid med en kvadratfod af græsplænen.”

Om Dawn Clements

Dawn Clements (d. 2018) voksede op i Chelmsford, Mass., Hvor hendes far var kunstner. Nogle af hendes tidligste minder blev tegnet med ham i hans studie. På college studerede hun fi lm, inden hun til sidst omfavnede en karriere inden for kunst. ”Jeg kender musik og film påvirkede mit arbejde og opmuntrede mig til at overveje, hvordan vi bevæger os og konstant indrammer, fortolker og præsenterer vores oplevelser, når vi bevæger os gennem vores liv,” sagde hun. ”Jeg tænkte på observation som at se nøje, men også lytte og røre. Jeg satte pris på synspunkter, der bevæger sig og skifter. ”

Clements 'arbejde er blevet udstillet vidt gennem mange år, inklusive på Whitney Biennial 2010. Det er også inkluderet i de permanente samlinger på Museum of Modern Art; Whitney-museet for amerikansk kunst; Tang-museet i Saratoga Springs, N.Y.; Deutsche Banks samling; Saatchi-samlingen i London; Henry Art Gallery; University of Washington, i Seattle, Wash .; og Colecção Madeira Corporate Services, i Portugal.

Clements boede hende hjem i New York City og var medlem af fakultetet ved Rhode Island School of Design.

Artikel skrevet af John A. Parks, en maler, en forfatter og et medlem af fakultetet for School of Visual Arts i New York.


Se videoen: Whitney Biennial: Dawn Clements: Studio Visit (Oktober 2021).