Kunsthistorie

10 mesterskuffer (og hvad de lærer os)

10 mesterskuffer (og hvad de lærer os)

Den største skuffe i verden kunne have været en kvindelig lærling til en anden kunstner i rococo-Frankrig, eller en renæssance-tegner, der blev gjort usynlig ved genskinnet af en anerkendt mester fra en mere magtfuld nærliggende bystat, eller en selvudviklende kunstinstruktør, der i øjeblikket arbejder i Minnesota.

At vælge de 10 største skuffer gennem tidene er et parlor-spil med tvivlsom værdi. I stedet besluttede vi at sammenligne antallet af gange der blev henvist til eller gengivet historiske figurer i de første 10 udgaver af Tegning magasin og fremvis dem med lysende kommentarer fra en tankevækkende kunstner og en repræsentant for en af ​​de mest respekterede kunstinstitutioner i landet.

Hver af de 10 kunstnere, der er omtalt her, tilbyder tegninger af udsøgt skønhed; men vigtigere for vores formål tilbyder hver enkelt indsigt og lektioner, som enhver tegner kan bruge. Vi undersøger, hvorfor disse individs arbejde er så inspirerende.

Leonardo Da Vinci

Leonardo da Vinci (1452–1519) var kunstens første ubestridelige superstjerne, og hans geni er ubestridt. Men Ephraim Rubenstein, en kunstner, der underviser ved Art Students League i New York, på Manhattan, blander sin beundring for Leonardo med det punkt, at selv denne store renæssance ikke opstod fra et vakuum.

”Leonardo fik så meget af Andrea del Verrocchio, som var en fantastisk lærer,” siger Rubenstein. ”Alle kommer ud af en tradition; ingen kommer fra intetsteds. Leonardo lærte begyndelsen af ​​sfumato fra [hans lærer] blandt mange andre ting. ”

Leonardo blev født som den uægte søn af en advokat i den toscanske by Vinci, Italien, og var en videnskabsmand, en opfinder, en pioner i studiet af anatomi og malerværkerne af mesterværkerne Den sidste nadver og Mona Lisa- den prototype renæssancemand.

Rubenstein omtaler sine linjer som ”blød, delikat og yndefuld. Han gør ikke noget, der ikke har de smukkeste kurver. ” Men hans skissebøger er det, der gør Leonardo til en innovatør.

”Han var en af ​​de første fyre, der talte om at tage en notesbog ud på gaden,” forklarer Rubenstein. ”Leonardo sagde, at du skal have direkte kontakt med livet og observere mænds handlinger.”

Ressourcer:

  • Leonardo da Vinci Master Tegner, af Carmen C. Bambach (Metropolitan Museum of Art, New York, New York)
  • Leonardo da Vinci: De komplette malerier og tegninger af Frank Zollner og Johannes Nathan (Taschen, Köln, Tyskland)

Michelangelo Buonarotti

Hans Sixtinske kapelloft er et af de mest berømte feats i kunsthistorien, men de, der er interesseret i tegninger, fokuserer på de mere end 90 kridt-og-blækværker Michelangelo (1475-1564) lavet som forberedelse til dette og andre kommissioner.

Nogle kunstnere har trukket parallellen mellem denne italienske mesters værk og de fantastiske, muskelbundne former i tegneserier. Men hvis nogen håbefuld tegner i løbet af de sidste 50 år har nærmet sig den krusende menneskelige anatomi i tegneserier med beundring, er han kommet til Michelangelos arbejde med ærefrygt.

”Med hans mestring af maleri, skulptur og arkitektonisk var ingen kunstner - med den mulige undtagelse af Leonardo - mere teknisk begavet,” siger Rhoda Eitel-Porter, leder af afdelingen for tegninger på Morgan-biblioteket i New York City .

”Hans figurer udøver altid sig selv,” observerer Rubenstein. ”De stræber efter noget, men er bundet. Alle muskler trækkes samtidig, hvilket er anatomisk umuligt, men dybt poetisk. Michelangelo lavede et landskab af den menneskelige krop. ”

Årsagen er logisk: Michelangelo var en billedhugger. Adskillelsen mellem det taktile og det visuelle er fordelt; kunstneren ser og tegner i tre dimensioner. ”Michelangelo [forstod], at en bestemt muskel er æggelignende i karakter, og han [ville gå] efter den form med sin kridt,” siger Rubenstein og påpeger, at mærkerne på hans tegninger i stigende grad hænger ind på mere færdige områder af formen i en måde, der er parallelle med mejselinierne på en uafsluttet skulptur. Kunstneren placerede ru ruge nogle steder, definerer mere omhyggeligt krydshatching i andre og polerede tone i de mest færdige områder.

Michelangelos arbejde er præget af to andre træk: hans næsten fuldstændige dedikation til det mandlige nøgen og den allestedsnærværende sensualitet i hans kunst. Selv kvindelige figurer i hans stykker blev modelleret efter mænd, og endda hans draperi var sensuel.

”Han kunne sige alt, hvad han ville sige med det mandlige nøgen,” bemærker Rubenstein. ”Han blev ikke distraheret af noget andet - ikke landskaber, ikke stille liv, ikke kvindelige nøgener. Med undtagelse af hans arkitektur var Michelangelo monolitisk fokuseret på den mandlige nøgenhed, og selv i hans bygninger kunne der skabes paralleller til kroppen. ”

Ressourcer:

  • Michelangelo Drawings: Closer to the Master, af Hugo Chapman (Yale University Press, New Haven, Connecticut)
  • Lektioner fra Michelangelo af Michael Burban (Watson-Guptill Publications, New York, New York)

Albrecht Dürer

Albrecht Dürer (1471–1528) er uden tvivl den største trykkeri i historien. Han offentliggjorde mere end 350 graveringer og træsnit og afsluttede mindst 35 olie-malerier og genererede mere end 1.000 foreløbige tegninger og akvareller i processen.

Dürer skabte en række vidt kendte og ikoniske tryk, og Nürnberg-kunstneren er højt respekteret og indflydelsesrig blandt skuffer. Hans nuancerede skildring af former - ingen let bedrift med et stift, uforglemmeligt indgraveringsværktøj - er grunden til, at så mange tegnere studerer og undrer sig over hans arbejde.

”Hans tegning kommer ud fra en trykkeris sensibilitet,” kommenterer Rubenstein. ”Han kan ikke lægge tone; han må klekkes. Og ingen forbliver på formen med Dürers hensynsløshed. ”

Han var virtuos, men måske ikke nyskabende. ”Jeg tror, ​​han modtog en masse fra italienerne,” siger Rubenstein i henvisning til kunstnerens besøg i Venedig for at se en ven og undersøge kunsten og ideerne fra renæssance, Italien. Men hans talent var ikke kun i udførelsen af ​​hans teknik. Dürer pakket meget indhold i graveringer som f.eks Ridder, død og djævel—Omfattende to fantasmagoriske figurer, der fascinerer, men alligevel ikke dominerer resten af ​​kompositionen - men øjet griber let til hovedideen, når det ikke fester på vidunderlige gengivne rødder og småsten.

Oplev kraften ved at tegne i vores gratis e-bog med Sketch Drawing Lessons. Bare indtast din e-mail nedenfor for at begynde at nyde at tegne udforskninger af kunstmestre som disse!

[fw-capture-inline-kampagne = ”RCLP-bekræftelse-blyant-skitttegning” tak = ”Tak for downloadet!” interesse = ”Kunst” tilbud = ”/ wp-content / uploads / pdfs / PencilSketchDrawingGheno.pdf”]

”Du reagerer på intensiteten og tætheden af ​​billedet,” siger Rubenstein. ”Dürer [skildrede] bizarrenheden af ​​naturfænomener i detaljer, men alligevel var han i stand til at holde den store komposition klar og stærk med alt dette foregår. Han [vidste], at han selv inden for træernes smidighed [måtte] trække sig lidt tilbage, så timeglasset [kunne] komme frem. Han [kontrollerede] så meget - han er som en jongler, der har 30 bolde i luften. ”

Ressourcer:

  • De komplette graveringer, ætsninger og tørpunkter af Albrecht Dürer af Albrecht Dürer (Dover Publications, Mineola, New York, New York)
  • Albrecht Dürer and His Legacy: The Renaissance Artist's grafiske værk af Giulia Bartrum (Princeton University Press, Princeton, New Jersey)

Peter Paul Rubens

Stereotypen har kunstnere, der lever en dårlig, bohemsk livsstil, men Peter Paul Rubens (1577–1640) er bevis på, at nogle kunstnere opnår enorm succes. Efter de fleste beretninger var Rubens en respekteret, rig og glad kunstner, der også indsamlede antikviteter, opvokste en stor familie og sikrede en fredstraktat eller to, mens han tjente som diplomat på højt niveau. Han var en travl mand med handling, og papir blev aldrig krøllet med let - næsten alle hans tegninger var forundersøgelser for større kommissioner.

Man forundrer sig endnu mere over de selvsikre, smukke linjer i Rubens 'tegninger i lyset af den viden, som han med sikkerhed ville betragte dem som arbejdsdokumenter, uegnede til udstilling. Det, der gør ham speciel, er "hans mestring af kridteknikken", ifølge Eitel-Porter. ”Han havde brug for et par streger for at fremkalde ikke kun figurens position, men også dens følelsesmæssige tilstand.”

Faktisk demonstrerede den belgiske retsmaler utrolige faciliteter i hans tegninger med et antydning af bombast. Hans hånd var sikker. ”Rubens brugte naturligt robuste, selvsikre mærker og flydende bevægelser,” siger Rubenstein, der især beundrer kunstnerens tegninger lavet med tre farver af kridt. ”Rød kridt er smuk, men det har en begrænsning på dets rækkevidde - man vil ofte bruge sort kridt og hvid kridt for at øge den yderligere i hver ende af værdiområdet,” forklarer Rubenstein. "Det er som forskellen mellem en akkord og en note - at udvide rækkevidden til rød kridt."

Ressourcer:

  • Peter Paul Rubens: Tegningerne af Anne-Marie S. Logan (Metropolitan Museum of Art, New York, New York)
  • Peter Paul Rubens: A Touch of Brilliance, af Mikhail Piotrovsky, (Prestel Publishing, München, Tyskland)

Rembrandt van Rijn

”Han var en arving efter Leonardo, idet han altid skitserede fra naturen,” siger Rubenstein under henvisning til Rembrandt (1606–1669). ”Hans bevægelser var så sande og fulde af liv.”

Hvis Rubens var mægler og kongedomst, var Rembrandt kunstneren for menneskeheden. Begavet med den samme evne med linjen, havde den hollandske maler og tegner evnen til at tegne meget hurtigt og med tillid tilføje enkle vaske, der effektivt etablerede mørkelysmønstre.

Det utilgivelige blækmedium var ikke til hinder for Rembrandts forfølgelse af øjeblikets handling; bagsiden af ​​hans kones kjortel fejer overbevisende ud af trappen i Kvinde, der bærer et barn ned ad trapper, for eksempel. Mødre og børn var af særlig interesse for kunstneren, måske delvis fordi han mistede tre børn i deres spædbarn; og hans kones død afbrød et lykkeligt ægteskab.

”Hans tegningeres menneskelighed ... du føler det ikke så gennemgribende i andres arbejde,” bemærker Rubenstein. ”Han [syntes] at vide, hvordan mor [følte] sig, hvordan barnet [følte] sig - hvad der foregår i scenen. Og han [havde] en spontan, utrolig linje, der kunne vise strukturen i noget, og alligevel havde det sin egen kalligrafiske forstand. ”

Ressourcer:

  • Rembrandt's Journey: Painter, Draftsman, Etcher, af Clifford S. Ackley (MFA Publications, Boston, Massachusetts)
  • Tegningerne af Rembrandt og His School, Vol. Jeg af Jeroen Giltaij (Thames Hudson, New York, New York)
  • Tegninger af Rembrandt og His School, Vol. II, af Jeroen Giltaij (Thames Hudson, New York, New York)

Charles Le Brun

Med en fod i både de klassiske og barokke epoker var Charles Le Brun (1619–1690) en kunstner, der tidligt fandt succes og havde de politiske evner til at forblive en dominerende figur i den franske domstol og Académie indtil meget sent i livet.

Le Brun var studerende af Vouet og en ven af ​​Poussin, og hans kompositioner blev bygget på basale, enkle masser, som i klassisismen. Og alligevel kunne hans figurer pusse med barokkunstens energi, som vist i slangeformen i Study for Mucius Scaevola Før Porsenna.

Le Brun gjorde mere end nogen anden for at etablere en homogen fransk kunststil i tre årtier i det 17. århundrede. Han opnåede dette gennem både politik og maleri - Le Brun grundlagde det franske akademi i Rom, og i 1660'erne blev enhver betydelig kommission antaget hans til overtagelse.

De to tegninger vist i dette afsnit illustrerer ably, hvordan Le Bruns stil pragmatisk ændrede sig med tidene - med både kunstnerisk og materiel succes. ”Et billede viser den enkle opfattelse af alle former, meget afbalanceret og poseret som en Raphael; og den anden viser en figur, der kæmper så hårdt, ”undrer Rubenstein.

”Selv uden angivelse af liget, som dette tal løfter, føler vi, hvor stor indsats han har for at gøre for at holde denne tungvægt op.” Le Brun's garanti med tegneinstrumenter var legendarisk; en myte hævdede, at denne søn af en billedhugger begyndte at tegne i vuggen.

Ressourcer:

  • Charles Le Brun: Første maler til kong Louis XIV, af Michel Gareau (Harry N. Abrams, New York, New York)
  • Expression of the Passions: The Origin and Influence of Charles Le Brun`s Conference sur l’expression générale et particulière, af Jennifer Montagu, (Yale University Press, New Haven, Connecticut)

Edgar Degas

Omdannelsen for en tegner fra at tegne stramme, detaljerede former til løsere, mere gestuslinjer er almindelig, men disse eksempler viser, at denne udvikling i Hilaire-Germain-Edgar Degas (1834–1917) er en særlig naturlig.

Skønhed beboer begge værker, selvom en typisk seer muligvis ikke forbinder begge stykker med en kunstner. "Han forsøgte at fastlægge figuren i sine tidlige tegninger," forklarer Rubenstein, "og i de senere tegninger løsnede han den."

Degas 'mus var ballerinaen, og dansens bevægelse og bevægelser krævede frie gestusskitser. Rubenstein påpeger, at selv i hurtige skitser, som f.eks Undersøgelse af en danser i strømpebukser, Degas viser sit geni for komposition - knæene berører næsten papirets kanter, og de negative figurer, der dannes af danserens lemmer skaber et kraftfuldt design. Skønheden i den spontane komposition forråder års erfaring bag denne undersøgelse.

Ressourcer:

  • Degas and the Dance, af Jill DeVonyar og Richard Kendall (Harry N. Abrams, New York, New York)
  • Edgar Degas: Life and Work, af Denys Sutton (Rizzoli International Publications, New York, New York)

Vincent van Gogh

Bortset fra at være den prototype sultende kunstner, var Vincent van Gogh (1853-1890) jordemoder til fødslen af ​​abstrakt kunst, som det fremgår af hans Vild vegetation. Som maler er han kendt for sin livlige og dristige farve, men de risici, han tog med komposition, er måske lige så ansvarlige for hans omdømme. For skuffer er van Gogh også vigtig for sin markering.

”Van Gogh udviklede et utroligt ordforråd med rørpennen,” siger Rubenstein. ”Han [lavede] et sprog med alle disse forskellige slags mærker: prikker, bindestreger, krøller, lange streger og korte streger. Men fordi han [var] i sådan kontrol, [det] gav mening. Han [lavede] rytmer. Naturen har ikke disse mærker. ”

Sammenligning Pollard Birches til Vild vegetation viser den hollandske kunstners vækst fra repræsentativ til det næsten fuldstændigt abstrakte. Overgangen ses i mindre grad i portrættet Zouave, hvor hovedparten af ​​ansigtet er afbildet med en slags pointillisme, mens specifikke træk, såsom næsen, er dannet med klassiske linjer. ”Det er et meget personligt sprog, han [kom] med,” kommenterer Rubenstein. ”Men selve mærkerne er fascinerende.”

Ressourcer:

  • Vincent van Gogh: The Drawings, af Colta Ives (Metropolitan Museum of Art, New York, New York)
  • Van Gogh: Master Draftsman ,, af Sjraar van Heugten (Harry N. Abrams, New York, New York)

Egon Schiele

Den østrigskfødte Egon Schiele (1890–1918) var en dandy, der var indkapslet i bohemsk tøj, en formodet pornograf, en målbevidst narcissist og en af ​​de mest provokerende og entydige tegner i moderne tid.

”Sammenlignet med, siger Rembrandt, er der ikke meget rækkevidde,” siger Rubenstein. ”Men du ved altid, om noget er en Schiele. Hvordan sker det? Det er værd at tænke over. ”

”Alle hans overdrivelser er tankevækkende,” fortsætter Rubenstein. ”Hans forvrængninger er penge - indrykket af en hofte, opsvulmningen, en linje, der helt klart er hamstrings. Forvrængningerne er baseret på meget nøjagtige anatomiske vartegn. Det er det, der gør dem så foruroligende. Det og det faktum, at skelettet ofte er meget til stede. ”

Schiele blev ondartet af nogle af sine eksplicitte tegninger af mindreårige piger, men afskedigelsen af ​​al hans erotiske kunst kan være en fejl. Rubenstein påpeger, at ikke alle kan udføre det erotiske med succes. Schieles kunst udfordrer gennem ikke kun dets emne, men også i positionerne for hans motiver, de vandrende linjer, der vibrerer af spændinger og de voldsomme farver, han brugte.

”Se på det røde ved siden af ​​det grønne, der løber gennem figuren i Fighter, ”Observerer Rubenstein. ”Det taler om noget ubeskriveligt.”

Eitel-Porter er enig: "Hans brug af unaturlige farver og hans gestuspåføring af maling med synlige streger for at fremhæve udtrykket adskiller Schiele."

Ressourcer:

  • Egon Schiele: The Complete Works, af Jane Kallir (Harry N. Abrams, New York, New York)
  • Egon Schiele: Tegninger og akvareller, af Jane Kallir (Thames Hudson, New York, New York)

Käthe Kollwitz

Käthe Kollwitz (1867–1945) så meget lidelse og skildrede den med en empati, der sjældent konkurrerede. Hendes mand var en læge for de fattige i Berlin, som sandsynligvis spillede en rolle i hendes socialistiske sympati.

At miste sin søn i første verdenskrig fik en langvarig depression. Hun mistede også et barnebarn i 2. verdenskrig. Som et resultat, slår hendes hjerteskærende billeder af mødre, der græder over afdøde spædbørn, en klang.

”Og hun var sådan en stor tegner,” siger Rubenstein. ”Kollwitz kunne gøre så meget med enkle former. Herover kan der være et par uklare mærker, der betyder hår; og derefter - boom, du er klinket direkte ind i det øje med et par stærke linjer. ”

Kollwitz var først og fremmest en grafiker, og begrænsede sit arbejde i vid udstrækning til sort-hvidt billedsprog. ”Hendes dristige, grafiske stil afspejler de underprivilegieres enorme menneskelige smerter og lidelser,” kommenterer Eitel-Porter. ”Det er grundlaget for hendes emne. Den verden, hun skildrer, er tilsløret i skygge; kun sjældent introduceres farver i farver. ”

Gentager Rubenstein, ”Med sådan enkelhed, med en sådan økonomi af midler formidlede hun stor sympati. Hun kunne komme med en utrolig menneskelig erklæring med bare brændt træ [trækul] på papir. ”

Ressourcer:

  • Katalog over det komplette grafiske værk af Käthe Kollwitz af August Klipstein (Oak Knoll Press, New Castle, Delaware)
  • Käthe Kollwitz Drawings, af Herbert Bittner (Thomas Yoseloff, New York, New York)

* Artikelbidrag af Bob Bahr

***

For flere tegningstips, instruktion, ekspertindsigt og inspiration, kan du tjekke tidligere spørgsmål omTegningmagasin.


Se videoen: ПУТЬ ЧЕМПИОНА Мигран Арутюнян от греко-римской борьбы до ММА ПОЛНОЕ ИНТЕРВЬЮ Your New Level (Oktober 2021).