Kunstnerlivet

Et øjeblik med Thomas Schaller

Et øjeblik med Thomas Schaller

Mød Master of American Watercolor - Thomas Schaller

Nyd dette eksklusive interview med den amerikanske akvarellmester, Thomas Schaller, nedenfor for at lære mere om hans malerier, inspiration, proces og mere.

Kom og stud akvarel med Thomas i det berømte og smukke italienske landskab i september på hans Retreat i Toscana. Reserver din plads nu!

Hvordan blev du interesseret i akvarel?

At vokse op i landdistrikterne Ohio, min eneste eksponering for den bredere verden generelt og for kunst i særdeleshed, var gennem bøger. Min mor og bedstemor havde en hel samling kunstbøger. Som barn så jeg uendeligt igennem dem; går tabt i historierne, visionerne og fantasierne for kunstnerne på disse sider.

Jeg elskede altid at tegne for at gå tabt i imaginære verdener af min egen skabelse, langt ud over hvad jeg så som min egen temmelig begrænsede. Og så syntes en kunstners liv det bedst mulige for mig. Og det blev springbrættet for alle mine drømme. Min logik var, at hvis jeg aldrig fik at se alle de vidunderlige steder, jeg drømte om, kunne jeg i det mindste tegne og male mine egne - og måske endda bedre - lige der i min skissebog.

Og det var i denne sindssammenhæng, at den drømmende, flydende natur i mange af de akvareller, jeg så i de tidlige dage, blev så specielt resonans. John Marins og Charles Burchfields legende, magtfulde fantasifulde arbejde ramte virkelig hjem. Og den skarpe klarhed og ærlige følelsesmæssighed i Edward Hoppers akvarelmalerier bedøvede mig selv nu, mange år senere.

Hvem var akvarelkunstnerne, der inspirerede dig?

Bortset fra de ovennævnte husker jeg, at jeg var chokeret i en alder af omkring 10 år af billeder af et antal akvarelfarver af Turner. Jeg var for ung til virkelig at forstå, men noget i den anden verdensomspændende lysstyrke og følelsesmæssige uro i disse inspirerede værker trak mig ind.

Det var selve manglen på detaljer - manglen på ”svar” leveret - der tvang mig langt mere end de meget specifikke eller artikulerede seascapes skabt af andre. Det ser ud til, at Turner næsten udfordrer seeren til at løse et puslespil eller afsløre et mysterium i sine værker.

Akvarellemediet virkede ideelt til denne form for let indsprøjtet, atmosfærisk og følelsesladet historiefortælling. Og det gør det stadig.

Du har omtalt dit arbejde som "fortolket realisme." Kan du forklare det?

Jeg rådgiver altid mine grupper (og mig selv) om ikke at male det, vi ser så meget som hvordan det, vi ser, får os til at føle os. Eller med andre ord, måske kan jeg sige: "Prøv at male din egentlige inspiration - ikke hvad det var, der inspirerede dig."

Og jeg mener ikke, at dette skal lyde så kryptisk eller så prætentiøst, som det måske. Hvad jeg mener er, at når vi først begynder at male, er den eneste verden, vi lever i, der på staffelien foran os - ingen andre steder.

Uanset hvilken udsigt, scene eller idé, det måtte have været, der inspirerede os til at male, er det maleriet, der betyder noget i det lange løb. Efter min opfattelse er det kunstnerens job at bringe vores unikke følelsesmæssige indsigt og vision til vores maleri; at fortolke, hvad det er, vi ser, ikke bare prøve at fremstille en fax.

Hvad ser du efter - eller hvad tiltrækker dig mest - i potentielle fag?

Kunstnere maler altid tror jeg - selv når vi ikke er ved staffeliet. Når jeg bevæger mig gennem verden, bemærker jeg konstant overbevisende mønstre af mørke og lys. Og det er dette, der inspirerer mig meget mere end faktiske ting eller scener.

Så meget af mit arbejde er informeret og formet af lysmønstre. Men hvad der virkelig inspirerer mig er de bredere ideer om forbindelse - af dialog og spænding - mellem modsatte kræfter: mørk og lys, skygge og skygge, varm og cool, tabt og fundet osv. Det er i kontrasten og lejlighedsvise broen til opløsning mellem disse modstående kræfter, at alle de spørgsmål, jeg ønsker min kunst at stille, kan findes.

Tegner du sted, arbejder du med fotos eller begge dele?

Jeg går aldrig noget sted uden en skissebog. Så hvis jeg ikke kan male, hvad jeg måtte ønske på stedet og i øjeblikket, vil jeg altid lave en hurtig, grov, lille skitse af hvad det var, der inspirerede mig. Langt mere end fotos er disse skitser uvurderlige værktøjer, fordi de registrerer mine indtryk, mine reaktioner, mine følelser omkring et potentielt maleri.

Så hvis jeg dage eller endda måneder senere vælger at male noget, der inspirerede mig, kan disse indtryk i min skissebog føre mig tilbage til det sted, det øjeblik, og jeg vil huske, hvordan jeg følte mig, og hvorfor jeg ville male det i første omgang. Jeg supplerer ofte disse med fotografier også, men jeg prøver at male mere fra mine skitser end fra fotos, da tegningerne indeholder mere af det faktiske kunst.

Dine malerier genkendes for deres lyddesign og værdikontraster. Lægger du blyant-miniatyrskitser eller værdiundersøgelser?

Ja, næsten altid. Sådanne skitser er ikke altid absolut nødvendige, men jeg gør dem næsten altid alligevel.

De hjælper med at forankre i min bevidsthed det væsentlige ved et potentielt maleri - det bedste format, værdierne, organiseringen og sammensætningen af ​​mørke og lyse former. De fortæller mig også, hvilke elementer der er væsentlige, og hvilke detaljer der kan redigeres for, at mit maleri kan fortælle sin historie mest effektivt, uden at noget unødvendigt er inkluderet.

Det er også mit mål, da jeg maler om at tænke mindre og føle mere. Så disse skitser er en fantastisk måde for mig at få al min tænkning ud af vejen på forhånd. Derefter kan jeg male fra en mere følelsesladet, intuitiv holdning end jeg måske ellers ville have.

Mange af dine malerier har arkitektoniske emner, der involverer perspektiv. Gør du meget indledende tegning, før du begynder?

Nej. Jeg gør alt frihånd på den endelige overflade uden specielle værktøjer eller foreløbige perspektivkonstruktioner. Men i retfærdighed var jeg en kommerciel arkitektonisk akvarelist i over 20 år, så tegning i perspektiv er blevet anden natur for mig.

Dine malerier er kendt for deres slående farve og atmosfære. Lager du foreløbige farveskitser?

Jeg tænker på mig selv som mere en værdimaler. Jeg har endnu meget at lære om - alt sammen - men bestemt om farve. Det er vigtigt for mig, men mindre end en vellykket sammensætning af darks og lys. Ingen farve gemmer et maleri, der lider af en række værdier, der mangler dynamik eller styrke.

For mange år siden var en af ​​mine første lærere den store Jeanne Dobie, der forbliver en af ​​vores største kolorister. Jeg fortsætter med at lære af hendes lære allerede nu. Fra hende lærte jeg kraften i komplementære toner, og jeg har tilpasning og udvidelse af det tema lige siden. Jeg arbejder næsten udelukkende i komplementarer.

Atmosfæren, den tilfredsstillende spænding og elektricitet i en akvarel, der kan opnås, når en farve bløder ind i dets komplement, er spændende - og som intet andet, der kan gøres med succes i et andet medium.

Nogle gange vil jeg lave en foreløbig farveundersøgelse, men som regel ikke. Jeg har dog altid en grundlæggende farveplan i tankerne, en base af to komplementære toner, der sætter tonen for det maleri, der ligger foran. Og jeg lader maleriet udvikle sig som det vil derfra.

Er der nogle farver, som du ser ud til at stole på - som gamle venner?

Nå, jeg formoder det, men det er mere nøjagtigt at sige, at der er specifikke farvekombinationer, som jeg konsekvent er afhængig af. Disse er næsten altid komplimenter, en varm og en cool. Så Cobalt Blue er en hæfteklamme med mange paletter, min egen inkluderet. Men jeg tænker aldrig på den kølige Cobalt Blue uden dens varme komplement - Lys rød eller Kadmium Orange mest for mig.

Det samme er tilfældet i et dybere register for Ultramarine Blue og Burnt Sienna; også violer og gule, røde og grønne forskellige farver. På det seneste har jeg eksperimenteret med malerier, hvor jeg primært kun bruger en enkelt farve, blå nuancer eller nuancer af lilla. Det er derefter en interessant udfordring og spændende at se den magt, som en lille prik orange kan have i et helt blåt maleri, eller et lille område med gult i et helt lilla.

Er der nogle farver, du prøver at undgå af nogen grunde, personlige eller tekniske?

Jeg foretrækker meget pigmenter, der primært er sedimentbaserede. Da jeg bruger ret strukturerede papirer, har disse pigmenter en tendens til at være lidt "tyngre", når de er i en vandopløsning, og så vil de synke ned i bunden af ​​en vask - og sætter sig ned i papirets indtag og flyder over toppe. Dette resulterer i malerier, der har den gennemsigtige, strukturerede skimmer, der kan være så karakteristisk for akvarel.

Af samme grund har jeg en tendens til at undgå de mere pletbaserede pigmenter. De vil simpelthen farve papirets overflade og for mig kan det resultere i et arbejde, der forekommer mere fladt - mindre levende.

Hvilken type papir foretrækker du?

Inden for grund, jo mere struktureret desto bedre (af de ovenfor anførte grunde). Så jeg bruger Saunders Waterford eller Fabriano Artistico ofte med ru overflader. Normalt undgår jeg tykkere papirer, fordi de har en tendens til at absorbere for meget pigment og kan flade udseendet af et værk, når det tørrer. Så 300 £ (300 g / m) er den vægt, jeg foretrækker normalt.

Buer har en smuk struktur, men har en tendens til at have meget størrelse. Selvom det er fantastisk til hårdere kanter, er det ikke altid lige så godt til våd-i-våd effekter. Med blødere papirer som Saunders vil den våde maling / vandopløsning bogstaveligt talt blandes inden i papirets fibre.

Forbereder du normalt dit papir - ved at befugt det, montere det osv.?

Hvis jeg arbejder i større målestok - i fuldarkstørrelse og op - vil jeg normalt hæfte papiret ned til en båreplade for at undgå problemer med spænding. Hvis jeg bruger en kraftig størrelse, vil jeg blødgøre og strække den også før hæftning.

Men til mindre værker - halvarkstørrelse eller deromkring - er det normalt bare at tape papiret ned på et bord. Det kan spænde lidt, når det er ganske vådt, men vil tørre helt fladt.

Kan du med det samme fortælle, hvornår ting ikke fungerer rigtigt i et maleri?

Det er et godt spørgsmål, men et uden et klart svar. Jeg vil sige, at selv når jeg tror, ​​jeg kan fortælle, tager jeg ofte forkert. Faktisk er det forkert, at jeg selv stiller det spørgsmål.

Hvad der ofte kan ske, er, at vi har en forudfattet forestilling i vores hoveder om, hvordan vi mener, at maleriet "skal" gå, eller hvordan det "skal" se ud. Men et eller andet sted undervejs tager det en venstre sving, og vi reagerer dårligt. Dette er det forkerte svar. At give slip på disse forestillinger til at begynde med og lære at lytte til dit maleri, når det udvikler sig, er den rigtige.

Maleriet ved ofte, hvad det vil eller har brug for mere end du gør. Det, jeg fortsætter med at lære, er vigtigheden af ​​at have en overordnet plan, men også at have viljen til at give slip på den plan, hvis maleriet fortæller mig, at det vil gå i en anden retning.

Akvarel er et medium, der ikke kan og bør aldrig nogensinde kontrolleres eller "mestres." Når jeg går tabt i processen med at male - når jeg slukker mit kritiske sind og bare maler fra intuition og følelse - vil jeg altid komme ud med et mere vellykket maleri, end jeg ville gjort, hvis jeg prøvede at bøje og tvinge mediet til et forudfattet boks. Det resulterende maleri kan være meget anderledes end hvad jeg oprindeligt havde forestillet mig, at det ville være. Men det vil næsten altid være bedre.

Hvad er det bedste råd, du kan tilbyde en ung, ambitiøs akvarelkunstner?

Mit bedste råd til de fleste på ethvert emne ville være at ikke tage for meget råd. Det mener jeg virkelig og ikke på nogen ironisk måde. Ja, selvfølgelig skal vi studere fra mestrene; vi burde lære af dem og blive inspireret af dem. De kan åbne vores øjne og gøre vores måde lettere.

Men til sidst, for at blive god til noget, er vi alle nødt til bare at være villige til at lægge tid og kræfter på at kende os selv og smede vores egne veje. Det er kun ved at gøre dette, at vi nogensinde kan håbe på at finde vores egen stemme, blive bekendt med vores egne lidenskaber og inspirationskilder.

Og så meget som muligt skal vi prøve ikke at sammenligne os for meget med nogen anden. Det kan blive en slags gift. Det avler en type usund konkurrenceevne, og det kan fremme både unødvendig selvtvivl og unødvendig selv stolthed - begge farlige faldgruber.

Det er absurd at tro, at vi nogensinde fuldt ud kunne mestre akvarel. Men vi skal male som om vi tror, ​​vi kan. Det er mit ønske for os alle at elske processen med at stræbe, lære og forbedre - maleri ved maleri - som en glæde for livet.

Når alt kommer til alt er der ingen "ret" måde at male i akvarel eller gøre mest andet for den sags skyld. Der er kun den måde, der fungerer bedst for dig, kun den måde, hvorpå din egen unikke stemme kan dannes og kan høres fortæller de historier, som du alene nogensinde kunne kende ordene.

Mere om Thomas Schaller

Efter en 20-årig karriere i New York som arkitekt og arkitektkunstner er Thomas Schaller nu baseret i LA, hvor han arbejder på fuld tid som et billedkunstmaleri i akvarel. Som signaturmedlem i AWS og NWWS blev Tom også for nylig valgt til kunstnermedlem i Californien Art Club og Salmagundi Club i NYC.

Schaller's arbejde er blevet accepteret i mange prestigefyldte udstillinger over hele verden - inklusive American Masters Exhibition, NYC; American Watercolor Society; National Watercolor Society; guldmedaljeudstillingen i Californien Art Club; Shenzhen-akvarelbiennalen, Kina; Zhujiajiao International Watercolor Biennial, Kina; Masters of Watercolor Exhibition, St. Petersberg; World Watermedia Exposition, Thailand; Acquarello i Fabriano, Italien; Eau en Couleurs, Belgien; Salon de L’Aquarelle du Haillan, Frankrig.

Eksempler på hans arbejde er for nylig blevet føjet til de permanente samlinger af Tchoban-fondets museum for arkitektonisk tegning i Berlin og Pacific Arts Foundation i Newport Beach. Tom har skrevet to bøger; den bedst sælgende og AIA-prisvinderen,Arkitektur i akvarel ogKunsten at arkitekttegning. Han arbejder i øjeblikket med sin tredje bog og har for nylig udgivet en video- og DVD-serie: Optagelse af lys i akvarel: Figurmaleri, som er tilgængelig nu.

Du kan lære mere om Schaller og hans kunst ved at besøge hans websted.


Se videoen: Preview. Capturing Light in Watercolor: Figure Painting with Thomas Schaller (Oktober 2021).