Kunstnerprofiler

Samtidig akvarelkunstner John Salminen deler hårdtvundet visdom

Samtidig akvarelkunstner John Salminen deler hårdtvundet visdom

Eksklusivt interview med Master of Watercolor: John Salminen

Hver gang jeg ser på John Salminens arbejde, bliver jeg simpelthen glad. Jeg bruger flere øjeblikke på at studere hvert maleri - med farverne, kompositionerne, fortællingerne, formerne - og denne visuelle optagelse bøjer bare min ånd. Af denne grund, blandt mange andre, er jeg begejstret John Salminen er juryleder for10. årlige internationale Watermedia Showcase.

Hans dygtige øje og utallige kunstpriser giver ham en ideel jurylør til denne konkurrence. Ikke kun underviser og deltager han i maleri-begivenheder rundt om i verden, han er også et underskrivelsesmedlem i American Watercolor Society, National Watercolor Society og Transparent Watercolor Society of America.

Salminen har vundet mere end 220 priser i nationale og internationale udstillinger, og han har været en inviteret kunstner i adskillige internationale akvareludstillinger i Kina, Singapore, Taiwan, Thailand, Rusland, Tyrkiet, Mexico, Italien, Belgien og Australien.

Lær alt om John Salminen, den anerkendte juryleder i Watermedia Showcase, i dette eksklusive interview nedenfor. God fornøjelse!

Hvordan blev du interesseret i akvarel?

Min interesse for akvarel begyndte i de tidlige 1980'ere, da jeg havde lejlighed til at studere med Cheng Khee Chee. Han underviste i forlængelseskurser på University of Minnesota Duluth campus.

En medkunstner og jeg tilmeldte os flere klasser, der spænder over en to-årig tidsramme. Dette var ikke min første oplevelse med akvarel, men det var den drivkraft, der var nødvendig for mig at gøre et seriøst engagement for mediet.

Jeg lærte mange nyttige teknikker, men vigtigst af alt fandt jeg, at den designdrevne tilgang til akvarel var spændende. Jeg blev mere og mere opmærksom på betydningen af ​​et solidt udviklet designbaseret fundament.

Jo mere jeg malede, jo mere indså jeg, hvor meget jeg var nødt til at lære. Jeg føler, at jeg stadig bygger på information og færdigheder, jeg har tilegnet mig i løbet af disse klasser.

Hvem var de akvarelkunstnere, der inspirerede dig mest?

Jeg begyndte som en abstrakt ekspressionistisk maler. Begreber og tilgange fra DeKooning og Franz Kline er stadig centrale i mit sind, når jeg starter et nyt maleri.

Da jeg begyndte at male i akvarel, repræsentativt, var Mr. Cheng Khee Chee en stærk indflydelse. Og til at begynde med ønskede jeg at male lige som ham. På samme tid lærte jeg af de Californiske malere - de store hurtige og løse plein-luftmalerere, der kørte mediet fremad.

Robert E. Wood og Morris Shubin gav mig en anden måde at integrere design i mine stykker. Frank Webb skrev veltalende om emnet, og jeg studerede omhyggeligt hans tilgang.

Da jeg blev mere dygtig, begyndte jeg at antage min egen stil. Min indflydelse blev mere finjusteret.

Selvom jeg ikke prøver at efterligne andre malers arbejde eller stil, tager jeg konstant inspiration fra mange kunstnere. Dean Mitchells nuværende brug af rige grå farver, Joseph Zbukvics glødende middelværdespassager og Mary Whytes evne til at engagere seeren på et følelsesmæssigt niveau er alle spændende for mig.

Når jeg underviser, bedømmer, besøger udstillinger og ser på arbejde i bøger eller på tværs af sociale medier, ser jeg biter og stykker malerier, der får mig til at tænke på, hvordan en bestemt effekt eller endda en type børsteslag kan påvirke mit eget arbejde. Alt, hvad jeg ser, har potentialet til at ændre min tænkning og subtilt påvirke mit arbejde. Jeg vil altid være studerende, og omhyggelig observation af malere, jeg beundrer, hjælper mig på min rejse mod forbedring.

Hvad ser du efter - hvad tiltrækker dig mest - når du leder efter potentielt emne?

Jeg arbejder ud fra fotos, jeg tager på lokationen, ved hjælp af kamerasøgeren som min skissebog. Jeg ser efter værdiændringer og en interessant sammensætning, når jeg bestemmer, hvornår jeg skal klikke på udløseren. Disse samme elementer hjælper mig med at bestemme, hvilke af mine mange fotohenvisninger jeg skal vælge til et maleri.

Når jeg vælger et emne med en stærk komposition, bliver det mit job at tilføre det med yderligere indhold, der vil tale med seerne. Til dette formål tilføjer jeg ofte tal og ændrer stemningen og atmosfæren ved at justere værdestrukturen for at give en følelse af tid og sted.

Nogle emner egner sig lettere til en "historie" end andre. Det er en del af udfordringen i at skabe et maleri, som folk kan forholde sig til.

Mange af dine malerier har kendte placeringer. Tror du, at dette hjælper dig med at etablere en stemning eller skabe forbindelse til seeren?

Ved at bruge emner, som seerne kan forholde sig til, inviterer jeg dem til at interagere med værket. Et af mine mål er at vise seeren et lidt anderledes blik på et velkendt ikon.

Dit arbejde er kendt for sin stærke design af komplekse emner. Gør du små foreløbige grove eller værdiforsøg?

I mange år fyldte jeg skissebog efter skissebog med detaljerede tegninger udført på stedet. Derefter vendte jeg tilbage til mit studie og gendannede tegningerne med et blik mod design, komposition og værdi.

Den anden tegning blev min plan for maleriet, mens min skitse på stedet leverede overbevisende detaljer. Efter så meget praksis med denne designbaserede tilgang, der skabte værdimønstre, dynamiske arrangementer af form og interessante kompositioner, føler jeg nu, at jeg har internaliseret disse principper.

Jeg kan identificere et stærkt emne både når jeg tager billederne, og når jeg scanner dem på udkig efter malerihenvisninger. Imidlertid klatter jeg stadig, mens jeg taler i telefonen. Når jeg har lidt ekstra tid, kan jeg godt lide at bruge det på at gøre abstrakte arrangementer af mørke, mellemstore og lyse værdier - komposition på sit mest væsentlige niveau. Da dygtige musikere fortsætter med at øve skalaer, fortsætter jeg med at komponere.

Når maleriets sammensætning og retning er fastlagt, fortsætter du uden meget mere indledende arbejde?

Når jeg først har set, hvad jeg vil male, laver jeg en omfattende tegning, omarrangering og omdesign, ligesom jeg plejede at gøre i min skissebog. Værdien af ​​en solid tegning er, at det frigør mig under malerprocessen til at koncentrere mig om humør og følelse.

Fordi mine malerier ofte er ret store, holder tegningen mig i kontakt med min oprindelige intention. Og den tid, der bruges til at oprette tegningen, genvindes under malerprocessen.

Jeg har fundet, at det er vigtigt for mig at ofte lægge maleriet op og se på det omhyggeligt og kritisk. Maleriet udvikler ofte sin egen stemme og antyder undertiden en ny retning.

Hvad kan du fortælle os om din effektive brug af neutrale og begrænsede farver? Du bruger mørke værdier og dybe skygger så godt. Bruger du nogensinde sort - hvis kun til ekstra stans?

Min brug af neutraliseret farve er baseret på iscenesættelsesbegrebet. Ved at skabe et omhyggeligt orkestreret maleri ved hjælp af komplementære blandinger og en rig blanding af gråtoner, kan jeg bruge små mængder ren, lys farve til at skabe en dramatisk accent.

Jeg bruger også lampesort som en dramatisk accent, hvor jeg placerer det rene sorte i en del af maleriet, der allerede er viet til meget mørke blandede sorte (f.eks. Alizarin crimson og phthalo green eller ultramarine blue og brændt umber). Lampesvart giver lysstyrke til de omkringliggende mørke passager og giver den ekstra snap, der er nødvendig for at skabe en mørk accent.

Du bruger fotoreference til dine studiomalerier. Har du oplevet nogen reelle ulemper ved at arbejde ud fra fotos?

Der er en potentiel risiko ved at arbejde ud fra fotos. Kunstnere kopierer sommetider blot det, kameraet har optaget eller arbejder fra fotos, der er taget af andre mennesker. Dette kunne begrænse kunstnerens evner til at udtrykke deres individuelle kreative visioner.

Jeg underviste i fotografering i mange år, og jeg tror, ​​at de æstetiske standarder, som vi bedømmer et foto på, er forskellige end dem, vi bruger til at bedømme et maleri. At blot forstørre et foto ved hjælp af maling virker tåbeligt. En kopi butik kan gøre det hurtigere og billigere.

Min udfordring, når jeg bruger fotohenvisning, er at skabe et værk, der er afhængig af den maleriske håndtering af mediet og drager fordel af mine muligheder for at forbedre og forbedre scenens virkelighed. Jeg har ofte en følelsesladet reaktion på mine motiver. Hvad jeg ser er farvet af summen af ​​mine egne oplevelser.

For eksempel er mit syn på en scene til tider påvirket af smukke beskrivende passager fra forfattere som Saul Bellows. Eller jeg kan huske, hvordan jeg følte mig, da jeg stod på lokationen og kiggede gennem min søger. Jeg husker rumlen om det forhøjede tog eller duften af ​​stege cashewnød fra en nærliggende sælger. Alle disse medvirkende faktorer føjer elementer til mit maleri, der ikke var inkluderet i den første fotoreference.

Et foto registrerer trofast detaljer. Jeg er nødt til at prioritere den detalje, fortolke den og forhåbentlig forbedre den. Disse ting, kombineret med kvaliteten af ​​mærket på siden, skelner et maleri fra et fotografi.

Arbejder du til tider med flere forskellige fotos af det samme emne?

Jeg kombinerer ofte billeder for at forbedre kompositionen eller forbedre historien, der fortælles.

Hvilket papir foretrækker du generelt - brand, koldpresse, varm presse osv.?

Det bedste papir til min malerproces er d’Arches koldpresse på 140 lb, i fulde ark, elefantstørrelse eller større stykker skåret ud af ruller. Det tjener mine behov fuldstændigt.

Forbereder du dit papir på nogen måde - befugt det, strækker det osv?

Jeg bånder papiret ganske enkelt til et stykke skumkerne og bringer båndet ca. 1/2-tommer fra kanten af ​​papiret. Jeg bruger skumkerne, som jeg har forud for de samme udvendige dimensioner af min måtte og stykke plexiglas, så jeg let kan glide maleriet bag måtten.

Plexiglaset gendanner lyster til overfladen. Dette enkle system fremmer hyppige reflektionsperioder, når maleriet kommer frem.

Har du nogle farver, du stoler på, og nogle du forsøger at undgå, uanset grund?

Mine yndlingsfarver er meget traditionelle. Min palet har ikke ændret sig meget i mange år. Alizarin Crimson og Pthalo Green sidder ved siden af ​​hinanden, ligesom Ultramarine Blue, Burnt Sienna og Burnt Umber. Dette er arbejdshestkombinationerne af mine neutrale farveskemaer.

En anden kombination, jeg kan lide, er Cerulean Blue og Cadmium Orange for at skabe nogle rige vanskelige at definere farver. Min eneste nylige tilføjelse er en favorit blandt næsten alle: Quin Gold. Jeg bruger den dog med forsigtighed, fordi den vil være showets stjerne, uanset om jeg vil have det eller ej.

Min favoritblandinger forekommer efter et par dages maling, når gyllen midt i min uvaskede palet begynder at blive interessant.

Jeg personligt undgår alle de gule-grønne. Den eneste grønne på min palet er phthalo, fordi den er cool og blandes godt med andre farver.

Dine plein air-malerier præsenterer en dejlig, men helt anden stil. Har de bidraget til udviklingen af ​​din studiomaleri?

Mine studiemalerier tager 40-60 timer at gennemføre. Fordi jeg grundigt nyder at male, er det ikke et problem for mig. Jeg bliver så nedsænket i de små abstraktioner, der dukker op, når jeg anvender interne detaljer, at jeg kunne fortsætte med at male for evigt.

Imidlertid er jeg for nylig blevet inviteret til at deltage i ture med plein luftmaleri i Kina og andre steder. Min studiostil ville ikke kunne bruges, så jeg har besøgt mine rødder - den hurtige og løse stil i Californien. Det er behageligt for mig og passer godt til de underliggende designkoncepter, jeg har udviklet gennem årene.

Jeg nyder at være i stand til at afslutte et maleri om en time eller to, og jeg har været mere og mere tilfreds med resultaterne. Jeg tror, ​​at disse oplevelser styrker mit studiearbejde, fordi de sætter mig i kontakt igen med det vidunderlige lysende aspekt ved hurtigt anvendte vaske - noget som undertiden går tabt i studiet.

Når jeg er ude på gaden med mit kamera, opretter jeg billeder i stort set den samme tankegang, som når jeg maler udenfor og oplever scenen fra første hånd. Der er ikke så meget afbrydelse, som det kan se ud til. Den største forskel er, at når jeg maler en plein air, bruger jeg næsten udelukkende firkantede børster i stedet for min studiofavorit, den # 4 spidse børste.

Hvad er det bedste råd, du kan tilbyde en ung, ambitiøs akvarelkunstner?

Jeg hører dette spørgsmål meget: "Hvad kan jeg gøre for at blive en bedre maler?" Uanset om det bliver spurgt af en nybegynder eller en erfaren kunstner i håb om at blive bedre, er svaret altid det samme - maling mere! Jo mere vi maler, jo bedre bliver vi, og jo mere nyder vi det.

Jeg vil også foreslå, at håbefulde unge akvarelkunstnere prøver at finde et sted at male, hvor det ikke er nødvendigt at nedbryde og sætte op igen for hver malerisession. Det er ikke vigtigt at have et smukt studie - bare et sted hvor maling og papir kan udelades uforstyrret.

Kunstnere, der venter på, at musen skal tale, kan nogle gange have en lang ventetid. Den tid kan bruges på at øve og hæve malerfærdigheder. Når en alvorlig forpligtelse er forpligtet, og det prioriteres at finde tid til at male regelmæssigt, følger resten. Som alt andet, vi bestræber os på at mestre i vores liv, er praksis svaret.

Det er også vigtigt ikke at tillade tilbageslag eller afslag at blive irriterende eller frustrerende. Jeg måler mine fremskridt i trin på fem år snarere end fra et maleri til det næste.

Jeg viser ikke det samme maleri i mere end en konkurrencedygtig udstilling, og jeg vil foreslå, at andre malere gør det samme. I min optagelse vil seerne være mindre interesserede i et maleri, anden gang de ser det, og endnu mindre tredje gang.

I stedet for at stole på et meget vellykket maleri, opfordrede jeg malere til at gå tilbage til studiet og arbejde for at gøre det endnu bedre. Både personlig vækst som kunstner og udviklingen af ​​et seende publikum vil komme til de kunstnere, der er engagerede i at komme videre mod det mål, vi alle deler - gør vores bedste.

Artikelbidrag af Paul Sullivan; alle billeder, der er uddraget fra John Salminens bog, John Salminen, Master of the Urban Landscape, som du kan tjekke her.

Vis dine Watermedia-talenter

Nu hvor du har lært mere om John Salminens liv, kunst og råd, hvorfor ikke sætte dine evner på prøve?

Indsend dine watermedia-malerier til det 10. årlige International Watermedia Showcase for en chance for at vinde en af ​​flere utrolige præmier.Find ud af mere om konkurrencen, pristilbudene, og hvordan man deltager her. Held og lykke, kunstnere!


Se videoen: Watercolor Tip: Use a Mr. Clean Magic Eraser for Fine Details (Oktober 2021).