Tegning

5 akvarelteknikker, du kan lære af Winslow Homer, Andrew Wyeth, J.M.W. Turner og andre berømte akvarelkunstnere

5 akvarelteknikker, du kan lære af Winslow Homer, Andrew Wyeth, J.M.W. Turner og andre berømte akvarelkunstnere

Lær akvarelteknikkerne - til komposition, designelementer og fokuspunkt - af berømte akvarelkunstnere som Winslow Homer, Andrew Wyeth, J.M.W. Turner, John Singer Sargent og Edward Hopper.

Watercolorists Essential Notebook er den ressource, du kan vælge efter at have opsamlet denne mesterlige inspiration. Genfind scener, der konkurrerer med ethvert referencefoto, du har, og lær gleden ved akvarel, så du fortsætter med at male, på din måde. God fornøjelse! - Courtney

1. Tag et unikt synspunkt som Winslow Homer

Om vinteren 1885-86 Winslow Homer (1836-1910) malede et antal slående akvareller, mens de var på ferie i Nassau. Bahamas i Bahamas var populær for sin smukke omgivelser og det tempererede klima. Men i hans akvarel, En mur, Nassau, Homer giver ikke seeren den klassiske postkortvisning. Naturligvis er scenen fyldt med frodige tropiske farver og slående karibisk lys, men synspunktet er meget usædvanligt.

Langt fra et typisk naturskønt panorama har Homer blokeret den klassiske udsigt over kystlinjen med en tyk grå mur. Den påtrængende væg dominerer ikke kun den nedre halvdel af maleriet; det er også enkelt og ikke-tekstureret. Den lodrette åbning ind i de kølige tropiske greener og blues i vandkanten giver den eneste lettelse. Men selv denne invitation til midten af ​​maleriet ligger ubehageligt langt til venstre og fører os væk fra det vigtigste fokuspunkt: den hvide sejlbåd.

At skære

Derudover har Homer skåret maleriet i to med to meget stærke vandrette linjer. I dette tilfælde slipper Homer med at bruge sådanne utraditionelle kunstneriske planer, fordi han har skabt interessante dynamiske spændinger og en stærk bevægelsesfølelse.

Læg mærke til berøringen af ​​kedelig orange og rød på væggen, som han bruger til at harmonisere væggen med den stærkere røde i blomsterne ovenfor og for at skabe en afgørende, men alligevel subtil form i nederste højre hjørne for at trække øjet til mellemgrunden.

Afspilningen af ​​overfladisk lys på væggen (et eksempel på Homers store udnyttelse af hvidbogen) fører også klogt øjet over muren mod midten. Himmel og løv fører øjet fra venstre mod højre, og de flamboyante røde frangipani-blade forbinder maleriets hovedområder, da de ser ud til at eksplodere som fyrværkeri over den tykke mur.

Forløber for modernismen

Sæt scenen for moderne amerikansk maleri, denne komposition har en næsten østlig enkelhed, understreger spændinger og balancer for at skabe et unikt synspunkt. Homers akvareller betragtes af mange for den største kunst, som USA nogensinde har produceret. Og hans evne til at udfordre seeren med et ubehageligt eller ikke-så åbenlyst syn er en grund. En anden er hans direkte og energiske udførelse af mediet. Han maler meget bevidst og med ekstraordinær kontrol, men opnår et ikke-undersøgt look.

2. Beher din sammensætning som Andrew Wyeth

I hans berømte æggetemperaturmaleri fra 1948, Christinas verden, Andrew Wyeth giver os en fremragende visning af hans dygtige brug af kompositionsenheder. I dette maleri demonstrerer han, at designelementer ikke behøver at være synlige for at være effektive. Nogle gange er de faktisk så subtile at undslippe din meddelelse, medmindre nogen gør opmærksom på dem.

Hvis du ser nøje på, ser du to løse hårstrå, der stikker ud fra siden af ​​Christinas hoved. Disse to låse er i form af buede linjer, der gentager det nærliggende par spor, der fører op ad bakke til huset. I øverste højre hjørne af indkørslen er der et hegn, der igen gentager disse linjer. På venstre side af Christinas hoved er en anden hårtuft, hvis form også gentages andetsteds på billedet. Det gentages i den krumme linje på feltet til hendes øverste venstre hjørne og igen - denne gang modsat - på den modsatte side af hendes hoved.

En kvindes krop, gentaget

Der er også en fuld form, der genlyder i dette maleri - en, der er ret iøjnefaldende, men alligevel enormt kraftig. Formen på kvindens krop lyder abstrakt i formen af ​​bygningerne oppe i baggrunden. Det sker i klyngen af ​​bygninger i øverste højre hjørne af billedet. Og du finder det igen i den lille udebygning lige over hende øverst på bakken.

Hvad vi har her, faktisk, er en organisk form (kvindens krop), der gentages af to geometriske former. Denne gentagelse af former er hverken tilfældig eller tilfældig. Det er produktet af kunstnerens kompositionsgeni. Og det er denne slags instinkter, som stor kunst er lavet af.

Landskab og figur

Det dominerende element i dette maleri er den tilsyneladende enorme og øde skråning, der isolerer den desperate fi gure, der sprøjter sig på jorden. (Christina Olson, Wyeths model, var ikke i stand til at gå.) Vægten ligger dog på fi guren.

For det første er det meget mere sandsynligt, at øjet tiltrækkes af en menneskelig form end af en bygning. En kompleks form er også mere tilbøjelig til at tiltrække opmærksomhed end en simpel form, og modellens snoede krop er meget mere kompleks end noget andet i syne.

Linjer til at rette øjet

I Christinas verden, kan vi også opdage Wyeths kloge brug af retningslinjer. I den øverste del af maleriet bruger han diagonale linjer for at føre dit øje ind i billedet og mod huset på bakken, som er, hvor Christina kigger - og er antagelig, hvor hun vil være.

Formen på den tilsyneladende strandede figur består udelukkende af diagonale linjer, der antyder overgang og / eller ustabilitet. Bygningerne øverst på bakken er tværtimod stabiliserende elementer - især den til højre (Christinas hjem). Selvom deres tag er skrå, er de mere end opvejet af de lodrette konturer på bygningernes sider og skorstene. Strukturerne ser således ud til at være ret solide og robuste. Dette står i dramatisk kontrast til ildflukturen i området nedenfor.

Wyeth har også brugt princippet om udsigtspunkt og perspektiv til sin fordel her. Der er ingen tvivl om, at fi guren er i nærheden af ​​dig, mens huset er langt væk. Denne lange udsigt, der ser over hende og op til det fjerne hus, understreger hendes isolationstilstand. Og fordi Wyeth har placeret vores udsigtspunkt bag Christina, deler vi hendes øde, hvilket intensiverer maleriets psykologiske virkning.

3. Tag en direkte tilgang som John Singer Sargent

”At leve med Sargents akvareller er at leve med solskin fanget og holdt,” sagde en af ​​kunstnerens mange biografer. Ja, John Singer Sargent'S akvareller ser ud til at udstråle lys. I Figur med rød draperi, vibrerer hele rummet med børsten i hans børstearbejde.

En kærlighedsaffære

Der er ingen tvivl om, at Sargent (1856-1925) elskede akvarel. Fra det øjeblik, han første gang studerede mestrene på museer og blev forelsket i maleri, brugte han akvarel. Umiddelbarheden deraf begejstrede ham. Og som enhver ægte mester var han i stand til at overføre akvarelteknikker, han mestrede til hvert andet medium, han prøvede. Med en simpel blikboks med panfarver sagde Sargent, at han ville "gøre det bedste ud af en nødsituation."

Sargents måder

Hans proces var enkel: Først dæmpede han sit papir med en let vask af farve og efterlod nogle områder urørt. Derefter begyndte han med en fyldt pensel at formulere figurens form og oplade den røde klud med rig, mættet farve.

Han skitserede aldrig sine motiver på dette tidlige stadium - papiret ville stadig være for vådt til at opnå en skarp kant. I stedet skulpturede han figuren i form ved at give hver del af kroppen tydelige mellemlige skyggeformer og mørke skyggeformer, mens han dygtigt efterlod de lyseste områder urørt.

Han malede den mørke side af en form sammen med området omkring formen, uanset hvor værdien var ens. Da papiret begyndte at tørre, brugte han mørke streger med maling og fremhævede kanter for at definere formerne og vise lyset.

En stor maler, en større tegner

Som det fremgår af hans selvsikre børstearbejde, var Sargent en fremragende tegner, resultatet af mange års konstant praksis. En kunstnerven Adrian Stokes, der observerede ham, bemærkede: ”Da han engang var afgjort ... var hurtigheden og direkte, som han arbejdede, fantastisk ... Hans hånd så ud til at bevæge sig med samme smidighed som når han spillede over klaverens taster ... Det var en slags af stenografi, men det var magisk. ”

4. Kombiner det virkelige og det romantiske som J.M.W. Turner

1700-tallets oplysningsalder markerede en tid, hvor både forskere og kunstnere blev fortæret med vigtigheden af ​​observation og undersøgelse. John Ruskin, dagens store engelske forfatter og kunstkritiker, skrev det J.M.W. Turner (1775-1851) ”plejede at gå rundt i en by med en rulle tyndt papir i lommen og lave et par ridser på et ark eller to af det, hvilket var så meget kortholdig indikation på alt, hvad han ønskede at huske. Da han kom til sin kro om aftenen, afsluttede han blyantindholdet hurtigt og tilføjede så meget farve, som det var nødvendigt for at registrere sin plan for billedet. ”

En observeret forbrænding

Da Londons parlamentshuse blev fortæret af flammer den 16. oktober 1834, var Turner offshore i en robåd, der hurtigt optog den dramatiske scene i lommeskissebogen. Han vendte siderne så hurtigt for at fange scenen fra adskillige synspunkter, at bagsiden af ​​hver akvarel har en smule af den forrige, der er placeret på den.

Det var sandt, at Turner var påvirket af oplysningstiden, men han var også et produkt fra den romantiske tidsalder (1789-1837), en tid, hvor kunst og videnskab blev ubemærket forbundet. Som andre romantiske kunstnere var han ikke kun interesseret i observation, men også i følelser. Hans motiver havde ofte symbolske overtoner, og hans pensel var så subjektivt som det var objektivt.

Da Turner malede dette store monument i brand var det ikke detaljen, han fokuserede på. Han malede raseri over naturens kræfter. I hans hænder blev ild, vand og den røgfyldte himmel en apokalyptisk begivenhed.

Når du ser på den række skitser af ilden, som han gjorde på stedet, kan du se, hvor han bogstaveligt talt angreb papiret med rasende børstetryk. Og i Burning of Parlamentets huse, en undersøgelse, der blev udført et år senere, undersøger Turner stadig temaet naturens raseri og udvikler det til rigere og mere komplekse versioner. Faktisk var Turner så betaget af det tema, at han malede det igen og igen i både akvarel og olier.

5. Studer lyset som Edward Hopper

Edward Hopper (1882-1967) begyndte sin kunstneriske karriere som kommerciel illustratør. Af erfaringen siger han: ”Jeg var altid interesseret i arkitektur, men redaktørerne ville have folk, der viftede med deres arme. Måske er jeg ikke meget menneskelig. Hvad jeg ville gøre var at male sollys på siden af ​​et hus. ”

I Mansard-taget han malede arkitektur på sin måde. Han formidlede form med lysets drama og fyldte næsten hele kompositionen med denne store, slående struktur. Hopper malede huset på et af sine mange sommerbesøg i Gloucester, Massachusetts, på Cape Ann.

Det mest østlige punkt i USA, Cape Ann er ofte et meget blæsende sted. Som et resultat malede Hopper ofte scener som denne inde i sin bil. Da Gloucester er en gammel by, sidder de fleste af husene tæt på hinanden og meget tæt på gaden. Beskæringen af ​​dette billede viser, hvordan vi ville opleve huset, da vi gik eller kørte forbi det.

Se det, mal det

Hopper malede typisk sine akvareller på stedet. For ham var at fange det unikke på en bestemt dag hans sande emne. I Mansard-taget han spillede individuelle træk på bygningen, så vejret, tiden af ​​året, vinden, lyset og skyggen, bevægelsen af ​​markiserne og spillet med varmt og køligt lys dominerede scenen.

Læg mærke til varm guling, der farver den solbelyste side af bygningen og blander sig med de kølige lilla skygger, malet som strejker af legende, bevægende former, der danser over de komplekse overflader i dette hus.

Som en mester til at bevare det hvide papir, begyndte Hopper ofte sine akvareller med en lys blyantskitse, men improviserede altid, da han udviklede maleriet. Når det er sagt, mistede han aldrig sit mål om kun at inkludere de elementer, som han havde brug for for at fange detaljerne i et øjeblik.


Se videoen: Winslow Homer, Saco Bay, 1896 (Oktober 2021).