Kunstnerlivet

En samtale med Carolyn Latanision

En samtale med Carolyn Latanision

Den niende i en daglig eksklusiv serie af kunstnere:

Masters of American Watercolor

Hvordan blev du interesseret i akvarel?

Jeg har arbejdet hele mit liv med akvarel og foretrækker det frihed og uventethed frem for andre medier, selvom jeg også bruger olier, akryl og kasein.

Hvem var de akvarelkunstnere, der inspirerede dig mest?
Det ville være let at navngive Sargent, men der er mange, hvis arbejde jeg kan lide af forskellige grunde. Teknik alene forekommer sekundær for den individuelle kunstners udtryksfuldhed.

Hvordan blev du interesseret i arkitektoniske og bymæssige emner?

Da jeg voksede op i Bethlehem, Pennsylvania, blot blokke fra de massive fyrovne i Bethlehem Steel, var store dramatiske strukturer en hverdagskamp i mit liv. Min bedstemor boede i Astoria i Queens, så vi rejste til NYC en uge hvert år, og disse skyskrabere, strukturer bygget med Bethlehems I-bjælker, tilføjede en anden dimension til det visuelle aftryk på min bevidsthed om lyset, vinklerne og arkitekturplanerne . Jeg var ikke klar over, at jeg blev draget visuelt til arkitektur, før jeg flyttede til Boston-området og opdagede Beacon Hill. Jeg lærte mig selv at male arkitektur - først med døråbningerne til Beacon Hill og derefter hele bygninger og derefter gader i bygninger.

Din Bethlehem Steel-serie er omfattende. Hvordan blev du interesseret i Bethlehem Steel?
Når du vokser op så tæt på en operation, som der ikke er nogen, der slipper for den, og der er ingen, der forklarer den, medmindre du har levet den. Det var nogensinde til stede. Det er bare en del af dig. Den ene generation af mænd efter den anden i min familie mistede deres liv for det, hvis de arbejdede i anlægget snarere end på et kontor. Støj fra støberierne ophørte aldrig, og lugterne og snavs blev heller ikke. Den sorte korn ville være på dine fødder, når du tog dine sokker af; den sneg sig dagligt ind i huset. Efter college troede jeg, at jeg ikke kunne komme væk hurtigt nok. Da en artikel på forsiden af ​​Boston Globe annoncerede, at den blev afsluttet i 1995, ramte den mig følelsesmæssigt. Jeg var pludselig meget opmærksom på dens betydning historisk for mig, for min familie og for landet. Jeg gik gennem anlægget fire gange efter det og malede et sted, der var gået stille, men reflekterende af dets tidligere magt.

Du har sagt, NYC - et andet yndlingsemne - har en energi, der er unik. Kan du uddybe dette?

New York var så stor og spændende for mig som barn - ligesom det er for mine barnebarn i dag - jeg ville se det hele. De samme fly og vinkler, som jeg så hver dag i Bethlehem, blev genfødt i New Yorks skyskrabere. Og så mange mennesker at se på! Hver gang jeg gik over broerene, der spænder over Lehigh-floden, langs hvilken Bethlehem Steel-anlægget blev bygget, kunne jeg se et panorama over dens kraftfulde aktivitet. Togbiler, svejsere og varme kul fra koksværkerne i Bethlehem fandt en parallel i hasten med mennesker, metro, røg og tårnhøj bygninger i New York.

Jeg forstår, at du normalt arbejder ud fra fotos. Hvilken rådgivning kan du tilbyde om fotos og reference?

Når jeg udfører mit mere detaljerede arbejde, arbejder jeg ud fra fotos snarere end skitser, der er lavet på stedet. Jeg komponerer altid gennem linsen og tænker over, hvordan den skal sammensættes som et maleri, hvis jeg skulle vælge at male det. Med digital fotografering finder jeg ud af, at jeg ikke er så omhyggelig som jeg var med film, men det tillader mig at tage flere billeder og yderligere billeder af detaljer. Det er som at lave miniaturer. Det giver mig mulighed for også at tage mange billeder af mennesker i et bestemt område, og senere kan jeg vælge og vælge og omarrangere. Og jeg har lært at redigere, redigere, redigere.

Arbejder du normalt med flere fotos?
Jeg udskriver ofte et antal fotos, før jeg begynder på tegningen.

Lager du normalt en detaljeret tegning, inden du maler?

Jeg laver ikke en detaljeret tegning normalt, fordi jeg kan visualisere, hvor jeg skal hen. Først og mest vigtigt er at se kompositionen som en abstrakt helhed - formene og værdierne. Efter at have givet mig papir, tegner jeg de mest kritiske områder og begynder derefter at male og stopper for at udfylde detaljer, når jeg går efter behov. Jeg har en stor utålmodighed til faktisk at begynde at male.

Gør du noget andet forarbejde?

Uanset om jeg arbejder fra livet eller fra fotos, opretter jeg min palet på forhånd til hvert maleri. Jeg elsker farve og bruger mange, men jeg parerer først min palet til et maleri ved at eksperimentere med vaske og glasurer: hvilken farve går først ned over en tør farve, eller skulle det være omvendt; hvilke farver der skal blandes våd-i-våd osv. På mange områder er jeg tilbøjelig til at blande mindre og lag mere - men den beslutning kommer først efter eksperimentering.

Jeg forstår, at du arbejder ved hjælp af en rudermetode, bygger farve og detaljer. Er det korrekt?

Normalt med lagdeling / ruder prøver jeg at bruge ikke mere end to farver, så jeg ikke bliver "mudret". Når jeg blander, snarere end glasur, vil jeg undertiden bruge tre farver. Når det er sagt, bruger jeg typisk meget få pigmenterede farver, og derfor er der mindre chance for, at sløvhed opstår. Nogle gange lægger jeg en farve ned og lader den tørre, vel vidende at jeg tager en svamp og tør den forsigtigt af igen for at efterlade et blødt farveslør, der er arbejdet ind i papiret, som jeg kan arbejde på igen. Nogle gange vil jeg starte med en undercoatglasur af akryl gouache på et stort område, så jeg kan arbejde over det igen uden bevægelse nedenunder. Jeg skal normalt anvende mørke værdier og lyse farver i et detaljeret maleri, når den originale applikation er helt tør. Et eksempel på mørk, men lys farve, er et mørkerødt æble. Bare ved at bruge en farve gør den for flad. Jeg vil først bruge en lys rød til en første applikation. Når det er tørt, lagger jeg det over med en mørkerød vask. Dermed opnår farven en smuk dybde.

Har du nogle farver, du stoler på gang på gang - og andre, du prøver at undgå?

Som nævnt bruger jeg mange flere farvefarver end jeg har pigmenterede farver. Jeg bruger en lang metalpalet med mine mest brugte farver tættest på mig i “regnbue” rækkefølge. De farver, jeg bruger oftest, har ændret sig over tid og gør det fortsat. For eksempel brugte jeg engang en hel del af Paynes Gray. Det er blevet erstattet med neutral farvetone for at neutralisere nogle farver. Jeg bruger stadig Ultramarine Blue, men ikke hvis jeg vil undgå granulering. Andre gange bruger jeg det især til den ejendom. Phthalocyanine Blue er et farvestof og bør teknisk set ikke bevæge sig meget, men det gør det! Jeg undgår det for himmel, da det kan blive ujævn.

Hvilket papir foretrækker du - brand, koldpresse, varm presse osv.?

Jeg bruger ofte 300 pund. Saunders Waterford Cold Press-papir eller Twin Rocker, kun et håndlavet papir i en vægt. Jeg kan godt lide ru papir, især buer, men jeg bruger det ikke til mit mere detaljerede arbejde. Jeg nyder dog det til udendørs naturemner.

Forbereder du dit papir på nogen måde - befugt det, strækker det osv?

Jeg har prøvet alle mulige måder at forberede mit papir på, men så til sidst fandt jeg ud af, at jeg havde så meget mere fleksibilitet i bevægelse for bare at lade det sidde løs på min tegnebord. Normalt er der ikke nok spænding til at hindre mig. Hvis jeg har brug for det, vender jeg det med forsiden ned, vådt ryggen med en svamp og vægter det ned med min tegnebræt og yderligere vægte i lidt tid. Det vender tilbage til mig helt fladt og fortsætter. Ved at lade papiret være løst, kan jeg dreje det let, mens jeg arbejder, undertiden endda på hovedet, uden at skulle flytte hele brættet, det sidder på. Så ukonventionel, som det kan se ud, har jeg bemærket, at de fleste af mine klasser gør det nu også, selvom jeg aldrig har bedt dem om det.

Du har undervist i nogen tid. Har du fundet dette som en hjælp i dit eget arbejde?
Ja og nej. Jeg kan godt lide at være alene meget, så at være med mine klasser er en virkelig dejlig pause fra mig selv! Jeg kan godt lide deres entusiasme, og nogle gange skubber deres egen arbejdsetik mig ud af min følelse af doven plads. På andre måder, fordi jeg er nødt til at nedbryde alt for at besvare deres spørgsmål, holder det mig lidt tilbage. Jeg nyder spontaniteten af ​​akvarel (ja, selv med detaljeret arbejde), men jeg begynder at tænke for teknisk til tider, fordi mit sind stadig er fanget i spørgsmål og svartilstand.

Hvad er det bedste råd, du kan tilbyde en håbefuld akvarelkunstner?

Jeg læste lige et citat tilskrevet Katherine Johnson, NASA-matematikeren, der spillede en nøglerolle i at sende Apollo 11 til månen og tilbage. Hun sagde: "I matematik har du enten ret eller har uret." Det slog mig, fordi der i kunsten ikke er noget rigtigt eller forkert. Bliv bare med at male og prøv ikke at efterligne en anden malers arbejde. Til sidst vil dit arbejde ligne dit arbejde, og du vil have lært mange ting undervejs for at gøre dit arbejde unikt. Teknik begynder naturligvis at falde på plads. Som jeg fortæller mine studerende, er akvarel en masse negativ læring. Bare husk at have det sjovt ved at gøre det. Det er bare papir.

Carolyn Latanision Er hjemmehørende i Bethlehem, Pennsylvania og bor nu og arbejder i Massachusetts. Hun arbejder primært i vandmedier og udforsker dets unikke udfordringer og muligheder. Carolyn er signaturmedlem i National Watercolor Society, New England Watercolor Society, Pennsylvania Watercolor Society, Catharine Lorillard Wolfe Art Club i NYC, Hudson Valley Art Association, Philadelphia Water Colour Society, Rocky Mountain Water Media og Whisky Painters of America. I Boston-området er hun en udpeget Copley-mester i Copley Society of Art. Hendes malerier er i mange offentlige og private samlinger. Besøg Carolyns websted for mere information.


Se videoen: 3. Action fra Leder Den vanskelige samtale (December 2021).