Kunstnerlivet

En kort samtale med Frank Eber

En kort samtale med Frank Eber

Den anden i en eksklusiv serie i Daily Artist:
Masters of American Watercolor — Frank Eber

Hvordan blev du interesseret i akvarel?
Jeg blev virkelig ikke interesseret i det før for cirka 15 år siden, da jeg første gang så et maleri af Percy Gray. Jeg havde altid tilknyttet akvarel med malerier af hvalpe i en kurv, vignetter med masser af hvidt papir eller noget, du kunne se på et skilt på en byggeplads. Jeg kunne ikke tro, at nogen kunne male sådan i akvarel. Et maleri, som et ægte kunstværk! Ja, jeg var meget en del af mængden, der ser på akvarel som ”skitsemediet”.

Grundlæggende uddannede jeg mig i mediet og studerede det 19. århundrede, den britiske akvarellscene, Californiens scenemaler og ”Barbizons of California” fra det tidlige 20. århundrede. Jeg var tilsluttet mediets naturlige styrke til at formidle stemning, atmosfære og en blød tonefølelse. Jeg blev trænet i olie og gouache; fra gouache var det et lille skridt til akvarelmaleri.

Hvem var de akvarelmalere, der inspirerede dig mest?
Mine helte er Percy Gray og Marion Wachtel fra Californiens scene-bevægelse og Edward Harrison Compton. Senere blev jeg også inspireret af Andrew Wyeth. Jeg er selvfølgelig også nødt til at nævne John Singer Sargent!

Jeg må sige, at jeg altid var mere inspireret af oliemalere som Corot, Compton, Zorn, Sargent eller Carl von Marr. Jeg har denne fascination at male akvarel, ligesom en oljemaler, og jeg anvendte faktisk mange olie maleteknikker til mit akvarelarbejde. Det er ikke noget nyt, malere af den britiske akvarelbevægelse gjorde det også.

Hvad ser du efter - hvad tiltrækker dig mest - når du leder efter potentielt emne?
Næsten alt kan gøres til et maleri. Jeg kan godt lide bukoliske scener, men jeg laver også en masse portrætter og urbane scener. Stillebenfag kan også være gode! Det handler mest om lyse og mørke mønstre, ikke så meget om, hvad det er! En maler sagde engang, ”Et hoved er noget, du vælger for lyset at falde på.” Det gælder også landskabsmaleri. En stald kan se spektakulær ud i det rigtige lys og superkedeligt på en kedelig dag! Jeg leder også efter designelementer. Når jeg maler den menneskelige figur, tiltrækkes jeg af følelser, udtryk og gestus.

Du har sagt, at maleri på stedet - en plein air - er den største lærer.
Kan du uddybe?
Plein luftmaleri lærer dig at arbejde under pres og fremstille noget. Hvad som helst. Distraktioner som skiftende lys, fluer, vind, trafik og irriterende tilskuere vil skærpe din evne til at fokusere.

Maleri udendørs hjalp mig med at forstå farve og værdi bedre. Der er meget subtile farve- og værdiændringer i naturen, som kameraet har svært ved at samle op. Når du maler på stedet, kan du se, lugte, føle og røre dit emne. Noget af den energi går ind i arbejdet.

Tror du, at der er nogle begrænsninger for plein air-maleri?
Helt bestemt. Selv om det, som jeg sagde før, er sandt, er det meget svært at male mere gennemtænkt, detaljeret (ikke nødvendigvis mere detaljeret) eller større malerier udenfor. Skiftende lette situationer tvinger dig til at tage hurtige beslutninger, der kan være gode, men som ikke altid er bedre. En mere støjsvag, uforstyrret tilgang kan give et mere elegant og sofistikeret maleri. Endvidere kan ekstreme lysforhold, der kun varer i sidste minut, kun udføres i studiet fra fotografiske materialer, dvs. en scene minutter før solnedgang osv.

Hvad mener du med at se på en scene med øjnene på en maler?
Malere ser, hvad objekter og former gør, det er sådan, de interagerer med hensyn til lys, værdi, farve og design. Malere er ligeglad med hvad det er, de ser kun hvilken effekt lyset har på det. Ikke-kunstnere ser objekter for, hvad de er, dvs. en bil, et træ eller en bygning. De ser ofte ikke engang spillet af lys og skygge. Dette vedrører også det tredje spørgsmål vedrørende emne.

Tror du en maler kan ændre - eller redigere - en scene for meget, når han maler på stedet?
Det er nemt at gøre. Jeg har rodet mange malerier på den måde. Jeg tror, ​​nøglen er først og fremmest at genkende, hvad scenen handler om. Hvis du forstår det, er redigeringsprocessen ikke så hård. Da vi for det meste beskæftiger os med for meget information, skal redigeringsprocessen være hurtig og afgørende, og understøtte visionen og historien, du fortæller, men ikke fjerne væk fra essensen af ​​det, der er malet.

At ændre en scene - snarere end blot redigering - er meget vanskeligere, og ting kan hurtigt gå galt. Det er meget svært at skabe anderledes lys. Engang ville jeg male statuen af ​​Albrecht Dürer i Tyskland efter at have set den i vidunderligt lys. På malerdagen var der naturligvis ikke sollys, og jeg havde ikke taget billeder. Jeg prøvede at gøre det fra hukommelsen, men det kom ud forkert, på en eller anden måde falske. Jeg ved ikke, hvad det var. Så det er vanskeligt at ændre en scene drastisk, og jeg anbefaler ikke det. At skabe en skygge er ikke så hård eller ændre visse farver lidt kan nogle gange forbedre en scene, men jeg holder mig bestemt væk fra større ændringer.

Du har altid understreget vigtigheden af ​​værdier og værdimønstre. Er de nøglerne - udgangspunktene - til et godt maleri?
Jeg gætte på, at du kunne kalde dem startpunkter. Nøglen til et godt maleri er en kombination af mange forskellige ting. Det er bestemt et vigtigt første skridt at bemærke værdimønsteret. Vi må først se noget, der rører vores kunstneriske sjæl. For at besvare dit spørgsmål anderledes synes jeg, at det vigtigste for et godt maleri er inspiration. Vi er nødt til at blive inspireret. Det er en stor, stor aftale! Uden inspiration begynder vi at gå igennem bevægelserne, male den "samme gamle, samme gamle", og kunsten begynder at se formel og kedelig. Det kunstneriske plateau ville være, når en maler går rundt i verden og producerer det samme udseende maleri, uanset hvor det er malet!

Gør du undersøgelser af mindre værdi eller foreløbige farve ru?
Jeg laver kun værdiundersøgelser, hvis der er noget ved en scene, som jeg ikke helt forstår eller ved, hvordan jeg skal løse. Det er når en værdiundersøgelse virkelig kan hjælpe. Hvis du lige er begyndt at male, anbefaler jeg dem stærkt, og vi gør dem også på mine workshops. Jeg laver ikke foreløbige farve ru, jeg vil hellere bare male et lille maleri i stedet.

Apropos værdiundersøgelser: Jeg fandt gennem undervisningen, at der er mange studerende, der kan trække et rigtigt flot værdistudie ud i sort / hvid og fuldstændigt undlader at udføre en farveversion lige efter. Det fortalte mig, at værdistudier kun kan gøre så meget, og jeg begyndte at ændre min undervisning i overensstemmelse hermed.

Mange af dine malerier har komplekse emner som bygninger og biler. Hvor meget foreløbig tegning laver du?
Den foreløbige tegning er meget en del af min malerproces. Tegning er maleriets sjæl, alt afhænger af det. Jeg kan godt lide tegningsdelen, og nogle dage er det et mål for mig, hvordan maleriet vil gå. Det lyder mærkeligt, men det er virkelig sandt: Hvis jeg er stiv og forsigtig under tegningsprocessen, vil det sandsynligvis fortsætte til maleriet! Hvis min tegning først er træg og usikker, prøver jeg virkelig at slappe af, riste hånden ud og tømme hovedet for at slappe af. Når jeg først har et fint linearbejde i blyant, ved jeg, at jeg vil male godt. Alt er forbundet. Som det siger: ”Det hele er i dit hoved.”

Det minder mig om en anden uheldig ting, jeg ser meget hos studerende: De tror faktisk ikke, de kan male godt. De styres af frygt, som ikke er andet end ego, ikke? Du er bange for, at du ikke er god nok osv. Osv. Sagen er, at du ikke kan udtrykke dig kunstnerisk, hvis du er bange.

Hvad er de største ulemper ved at arbejde ud fra fotos?
At ikke opleve scenen i det virkelige liv bærer nogle problemer med det. Mit mål med plein air-maleri er altid at fange stemningen i scenen så meget som muligt. Det er svært at føle stemningen på et fotografi uden at have været på stedet. Hvis du tager billederne selv, mens du er på placering, er det godt og vil være en stor hjælp, når du maler.

Andre ulemper er, at kameraet forvrænger billedet, hvad jeg kalder fisheye-linseeffekten. Dette er især vanskeligt i urbane scener. Hvis du står på et gadehjørne og ser ned ad gaden, kan du prøve at holde dit kamera i øjenhøjde og sammenligne skærmbilledet med det, dine øjne ser. Kameraet lægger for meget i det, selv de ting, der er ti meter til højre. Jeg sørger altid for at zoome ind og bringe den tættere på sin “rigtige størrelse”, så at sige.

En anden dårlig ting sker, når du prøver at tage billeder af høje bygninger. Det kan ikke gøres! De ender med at se ud som stikkende trekanter på fotografiet!

Har du nogle farver, du stoler på gang på gang - og andre, du prøver at undgå?
Jo da! Jeg bruger altid alle farver i naturen! Blues, røde og gule… åh, og jordfarver! Jeg spøger kun halvt her!

De fleste af mine større vaskevæsker er en blanding af primærer. Jeg bruger bekvemmelighedsfarver som kobolt turkis (viridianen i oliepigmenter) eller ultramarin violet - dybest set sekundære farver og blandinger. Til primærerne bruger jeg koboltblå, karmin og verona guld oker eller ultramarin blå, magenta og brændt sienna.

Jeg forbliver fri for farvning af pigmenter som preussisk blå eller noget, der starter med “Thalo”. Jeg hører altid, at jeg har en "begrænset palet", men jeg tror ikke det. Hvordan er det begrænset, når jeg bruger alle primære og sekundære farver?

Hvilket papir foretrækker du generelt?
Jeg kan godt lide Arches-blokken, 140 lb, ru. Jeg ville kun ønske, at de lavede blokke i mere varierede størrelser. Regelmæssige arkblade er også gode, men de er bestemt et andet papir.

Har du nogen tanker om fremtiden for akvarel?
Ja. Jeg er bekymret over, at der er en sådan lille procentdel af unge, der er interesseret i akvarel. De store akvarellesamfund bør fokusere mere på at få unge medlemmer. De skulle sponsorere udstillinger med værker af unge kunstnere og tilbyde stipendier til lovende unge kunstnere, der arbejder i akvarel. De store akvarellesamfund bør også prøve at tilpasse sig universitetets kunstprogrammer i deres umiddelbare områder.

Hvad er det bedste råd, du kan tilbyde en ung håbefuld akvarelkunstner?
Råd? Jeg kunne bruge nogle selv! Seriøst, arbejde hårdt på dit håndværk! Lær hvordan du tegner godt. Studer maleri, hvis ikke akademisk, i det mindste på en skole, der lærer alle de grundlæggende, dvs. tegning, perspektiv, anatomi osv. Tro på dig selv og din kunst. Spørg ikke din familie og dine venner om kritik. Tag ikke dig selv for alvorligt! Det er pigment på papir.

Lav gruppeshow og konkurrencer, når du starter. Enmandsudstillinger er for etablerede kunstnere, ikke for nogen der begynder. Udvikle en tyk hud. Gør dig klar til at håndtere afvisning, små medkunstnere, jalousi og misundelse. Åh, og husk denne: Folk fortæller dig, hvad du vil høre.

Ofte er det den, du kender, og hvor godt forbundet du er, der kan gøre hele forskellen. Vær opmærksom på realiteterne: Den vestlige verden har lidt hensyn til akvarellemediet. Mange gallerier accepterer ikke akvareller. Akvareller henter ikke så meget som olie-malerier. Juryleder tildeler normalt ikke akvareller.

Husk, at de største kunstnere forbliver studerende hele deres liv. Lav det til at skabe kunst, maleri er prioriteret. Alt andet kommer efter. Og læst det igen!

Frank Eber blev født i Europa og er en fuldtids professionel akvarelkunstner bosat i Californien. Frank har malet i hele Europa og Amerika. Han er underskrevet medlem af American Watercolor Society, National Watercolor Society, Transparent Watercolor Society of America og Watercolor West. Frank underviser og holder workshops og demonstrationer på både nationalt og internationalt plan.


Se videoen: Jean Haines Master Artist Set: DANIEL SMITH Watercolor Set (December 2021).