Sådan starter du

Hvordan tegner man

Hvordan tegner man

Lær at tegne, og du vil aldrig være den samme

Store kunstnere ved, at de aldrig har råd til at efterlade deres tegneteknikker, hvis de håber at fortsætte med at vokse og forbedre deres arbejde. Dette gælder illustratorer, arkitekter, malere, billedhuggere, designere, endda tatoveringskunstnere! Tegning er rygraden i kunsten, så kunstnere ikke bare kan se, men optage hvad de ser i linje og skygge, kontur og gestus.

Det, der er mest spændende ved at lære at tegne, er, at der er så mange muligheder for at forfølge. En kunstner kan deltage i et tegningsprogram, der er specifikt skræddersyet til at tegne fra livet, lave hurtige studier og længere sessioner for at fange bevægelse og gestus af en levende model. Eller man kan forfølge tegning som en personlig undersøgelse, tage papir og pen (eller blyant) og gå ud i verden for blot at tegne. Det kan give dig mulighed for at lære at tegne med forskellige medier samt grafit eller blyant, trækul, pastel, pen og blæk og mere.

Men hvis en kunstner håber at mestre, hvordan man tegner realistiske objekter og figurer, hver gang han eller hun lægger kuglepen på papiret, er der tegneteknikker, som man skal fokusere på. Først kommer observation og koordination af hånd-øje, så vi træner øjet til at fortolke det, vi ser på måder, der giver mening, når vi tegner, uanset hvad vores emne er. Derefter kan en kunstner begynde at lære at tegne figurer og deres handlinger og positioner. Livstegningsklasser følger, såvel som tegning i en skissebog ofte. Dette er tegnet kunstneres liv - der kommer tilbage til og bruger tegning dagligt. Det er et engagement, men fordelene lærer at tegne noget!

Hvordan Tegne et stort maleri

”En af de største grunde til, at malere får problemer, er, at deres billeder ikke har et solidt grundlag af nøjagtige og ekspressive tegninger,” siger New York-kunstner Jon DeMartin.

”Tegning er en integreret del af billedfremstillingsprocessen,” siger DeMartin. ”Det giver mulighed for at udforske variationer af emnet. En kunstner kan blive begejstret for en idé og skynde sig ind i maleriet uden tilstrækkelig forberedelse kun for at opdage - ofte meget for sent - at ideen ikke kunne opretholdes gennem hele processen. Ved at tage sig tid til at udføre forberedende tegninger, kan en kunstner nøje overveje og destillere ideerne og derved tage bedre kreative beslutninger. ”

Den bedste del af DeMartins tegneværksteder er, at de giver de studerende en række tilgange til figurativ tegning, som hver kan hjælpe med bestemte aspekter af billedskabelse. For eksempel har han studerende til at starte hver dag med hurtige gestaltegninger, der understreger de spontane, lineære aspekter ved optagelse af en aktiv position i en linjetegning.

”Korte stillinger fra et til 45 minutter har en tendens til at handle mere om linje og gestus, og lange poster (en time eller mere) handler om form og volumen,” forklarer han. ”På grund af tidsbegrænsninger er enhver omfattende modellering med værdier vanskeligt at gøre, så jo flere måder jeg kan få line express volume, desto bedre.” Når kunstnere tilbringer timer eller dage med at arbejde ud fra samme positur, bliver deres tegninger analyser af værdier relateret til former, der drejer fra lys til skygge.

”Begge disse tilgange til tegning af figuren kan være gavnlige for malere, men de kan også føre til deres egne problemer,” siger DeMartin. ”Kunstnere, der kun laver korte gestaltegninger, producerer ofte stiliserede billeder, der er formel snarere end ærlige svar på individuelle modeller. Omvendt ender kunstnere der kun tegner, der tager måneder at gennemføre, ofte med mekanisk nøjagtige observationer, der mangler følelsesmæssigt indhold. Ved at kombinere de to tilgange har kunstneren en bedre chance for at kunne foretage både hurtige evalueringer af, hvordan figurer bevæger sig i rummet, såvel som nøjagtige observationer, der fremkalder essensen af ​​den person, der tegnes. ”

DeMartin anbefaler, at kunstnere bruger forskellige tegningsmaterialer, men den samme holdning, mens de fremstiller disse to typer tegninger. ”Tegning skal udføres fra en stående stilling med en arm udstrakt, så bevægelsen kommer fra skulderen, ikke kun håndleddet,” angiver han. ”Kunstnere skal kunne se både tegneoverfladen og modellen inden for deres synsfelt.”

DeMartin forklarer, at der ikke kun er en anbefalet tilgang til tegning eller maleri. Det afgørende for kunstnere at huske er, at en vis mængde tegning vil hjælpe med at vælge elementerne i et billede, etablere sammensætningen af ​​linjer og værdier og løse potentielle problemer.

Kilde: Tilpasset fra en artikel af Steve Doherty

Tegneteknikker: Line and Shadow

Her er et par tip fra kunstner og instruktør Jon DeMartin til, når han lærer at tegne med linje og kontur eller skygge og tone.

linje: Det primære mål med at lave hurtige skitser er at fange rytmiske handlinger. Find handlingen inden konturerne, for uden denne bevægelsesfølelse mister tegningen sin rytmiske strømning. Hvis tiden tillader det, introduceres gradvist struktur ved at konceptualisere orienteringen af ​​hovedet, ribbenet og bækkenet i rummet ved hjælp af lodrette og horisontale medianlinjer. Fokus er mere på kroppens skelet end på musklerne.

Skygge: Skygger hjælper kunstneren med at sammenligne de andre værdier, der er i lyset, så sæt dem først. Opret en flad værdi for lysene (det hvide papir) og en flad værdi for skyggerne med klækkede linjer, der giver en lys tone. Værdi er ikke et problem, kun den grafiske fortolkning af skyggemønsteret. Det er vigtigt at genkende, hvilke former der er i skygge, og hvilke ikke, fordi kunstnere ofte fejler mørke værdier i lyset for skygger.

linje: Linjer, der beskriver funktionerne, kan krydse over kroppens dele, da de understreger strømmen af ​​formerne og forholdet mellem en form og en anden. Hvis en arm for eksempel krydser kroppen, skal kunstneren først tegne de kontinuerlige linjer i kroppen og derefter trække armen over den del af kroppen. Pointen er at fange handlingen og konturen og lade spidsfindigheder komme senere.

Skygge: At lære at tegne eller udvikle skyggerne betyder at arbejde på en additiv måde, opbygge lag kul. Gnid først en jævn, flad masse af skygger og brug derefter en kulstubbe til at smelte skyggerne i papiret. Dette fungerer som en dejlig sammenstilling af værdierne i lyset, som er mere spontant tegnet med klækning. Ved længere stillinger udtrykkes tegningens tredimensionelle illusion primært gennem værdier af lys og mørke. Flyene på formen, der vender væk fra lyskilden, mørker, når de nærmer sig skygge linjen. Dette er værdieregleringerne på den form, der formidler illusionen af ​​rundhed. Jo rundere formen er, jo mere spredes graderingerne.

Kilde: Tilpasset fra en artikel af Steve Doherty om Jon DeMartins tegneteknikker.

Lær at tegne kanter

Konturlinjer er en nyttig løgn, som en tegner bruger til at indikere kanten af ​​en form i en linjetegning. I sandhed ser vi ikke en linje, der markerer kanten af ​​et ansigt, vi ser bare, hvor formen krummer sig væk fra visningen. At tegne en solid linje på kanten af ​​elementer antyder former, ikke former - en tegner skal passe på at antyde, at de andre planer ikke er synlige fra seerens udsigtspunkt. Desuden kan koncentrering på konturlinjerne distraheres en kunstner fra den vigtige opgave at skildre modelens gestus, som normalt stråler fra det indre af en figur. Af dette og af andre praktiske grunde er en kunstners håndtering af kanter meget vigtig, hvis en tegning skal være overbevisende.

Kurver er svære at nøjagtigt gengive. Mange tegneinstruktører anbefaler kun at bruge lige linjer til kanter og blødgør dem til kurver, hvor det er nødvendigt senere. Hvis du mener, at dette er en begynderkryp, skal du overveje, hvordan Rubens, en mester tegner, brugte denne metode.

Kanter gør meget af arbejdet med at antyde dybde. En tyk linje bringer formen fremad, og en lys, tynd linje kan indikere et plan, der trækker sig ned i baggrunden. Men kanter handler ikke kun om linjer. I mere tonale stykker skaber en hårdere kant og en markant kontrast mellem fly en form, der er tættere på seeren end en med et blødere, lettere look. Dette er vigtigt for støbte skygger - en skygge er skarpest på det punkt, hvor den berører objektet, der støber den, og den diffunderer, når skyggen forlænges væk fra objektet. På hans tegning Mænd, der går i et felt, Fik Seurat den tættere figur til at bevæge sig fremad i billedplanet ved at øge kontrasten mellem mørkere plan og lysere plan og ved at bruge hårdere kanter på denne figur.

I hans bog Mestring Tegning af den menneskelige figur fra livet, hukommelse, fantasi, Jack Faragasso påpeger, at man altid skal være opmærksom på, at de vigtigste kanter er dem, der indikerer lyse og mørke mønstre. Han bruger som eksempel de tykke, krøllede kraver, der ofte vises i Rembrandts malerier - de vigtige kanter i sådanne kraver er ikke de individuelle vendinger, men snarere kanten af ​​skyggen, når kraven bevæger sig ind i lyset. Effektiv afvisning af denne linje vil gøre mere for at gøre ruffen overbevisende end hundrede detaljerede linjer.

Hvor skal du placere din tegning på siden

Du kan altid placere emnet for din linjetegning eller konturtegning smack dab midt på siden. Det giver en stærk erklæring og i nogle tilfælde udtrykkes det tydeligst, hvordan du ønsker, at seeren skal opleve stykket. Men at placere emnet andetsteds i kompositionen kan få baggrunden til at virke for dig og skabe spændende spændinger, foreslå fortælling og lede øjet til fokuspunktet på en mere subtil måde.

Den franske betegnelse mise en side (bogstaveligt talt oversat, ”placering på side”) bruges undertiden som reference til dette koncept, men ideen har sine rødder i meget tidligere historie - kunstneres betragtning af dette aspekt af komposition antages generelt at have sin oprindelse i renæssancen. I Watteau-tiden blev dens betydning i en kunstners tilgang fast etableret, og i dag er det næsten ufatteligt, at en arbejdende kunstner ville forsømme sin omhyggelige håndtering.

Vores naturlige tendens kan være at placere emnet i midten af ​​kompositionen og give det den opmærksomhed, det fortjener midt i vores "scene", men dette afspejler ikke nøjagtigt, hvordan vi normalt ser verden. Medmindre vi er ekstremt tæt på vores emne, er der en masse information, der når os i vores perifere vision. Vi oplever alt i sammenhæng, og denne kontekst har indflydelse på, hvordan vi fortolker omdrejningspunktet. Som skuffer skal vi kæmpe for det, der føles automatisk og virkelig observere hele scenen for nøjagtigt at beskrive tabluerne.

Periklis Pagratis, formand for grundlæggende studier ved Savannah College for Art and Design, lærer sine studerende tegning af det grundlæggende og videre, inklusive ideen om, at når de designer en komposition, de skulle tænke på emnet som Medusas hoved - ikke se på det direkte eller så vender du dig til sten (eller din tegning vil i det mindste). Det negative rum omkring emnet skal spille en væsentlig rolle i din komposition. Der vil være masser af tid til tæt pore over selve motivet, når det er tid til at gengive det.

Blad gennem enhver kunstbog, og du er sikker på at se vidunderlige eksempler på overbevisende mise på siden. Undersøg ethvert maleri eller tegning, hvor omdrejningspunktet er tydeligt placeret væk fra midten af ​​kompositionen, og forestil dig, hvordan forskelligt stykke ville fungere, hvis emnet var død midt på siden. Du kan let se, hvordan de bedste kunstnere får mise en page til at fungere effektivt for dem.

Kilde: Tilpasset fra en artikel af Bob Bahr


Se videoen: Bonus afsnit! Sådan tegner jeg mine illustrationer på Ipad (November 2021).